Ruínas Circulares

As Noites Performáticas

2011-05-11T07:00:00.000-07:00

As “Noites performáticas” do Veredas cumpriram uma dupla função dentro do Festival Ruínas Circulares. Primeiro, a de ponto de encontro, que ninguém é de ferro e depois de passar o dia vendo teatro, fazendo oficina de teatro e conversando sobre teatro, é hora de outro tipo de diversão. Segundo, a de expor um segmento da produção dos artistas de Uberlândia, aqueles que pretendem fugir dos espaços e formatos convencionais. Corolário dessa segunda função é que o projeto permite vislumbrar o que esse segmento de artistas entende, neste momento e neste lugar, como performance – conceito ainda nebuloso em grande parte dos discursos sobre a cena contemporânea.

Numa primeira leitura, é possível separar os trabalhos que se apresentaram nas “Noites performáticas” em duas grandes categorias. A primeira é formada por obras que, na essência, constituem leituras de possibilidades da dança em espaços não convencionais. O pensamento é coreográfico, a linguagem é da dança, mesmo quando incorpora elementos como o vídeo, objetos ou espaços onde trivialmente não encontramos dança. O nome “performance”, aqui, não fala do que são as obras, mas de seu desejo de serem algo contemporâneo, de sua pretensão a fugir de padrões.

As criações da segunda categoria podem ser consideradas performances em sentido mais estrito. Buscam linguagem própria, mesmo quando se apropriam de linguagens da dança, do teatro, da imagem. Em comum, têm o compromisso com o estranhamento dos espectadores através de estratégias de ressignificação. É o vídeo que altera a ideia que fazemos do corpo da performer e o corpo da performer que altera a ideia que fazemos da imagem mostrada no vídeo. É o corpo que parece ter algo fora do lugar, e no estranhamento que provoca, leva-nos a repensar corpo, cabelo, membros, nudez, lugar. É a bailarina que conhecemos em outros trajes, lidando com objetos a que atribuímos outros significados, que aqui ganham sua verdadeira dimensão social, econômica, política, fora do jogo de ilusões onde geralmente estaríamos inseridos na relação com eles. É a intérprete que, lidando de maneira incomum com um espaço que julgávamos conhecer, mostra-nos, ao mesmo tempo, nosso desconhecimento a respeito dele, e a poesia que ficava oculta por trás desta ignorância. Em última instância, a performance se situa no próprio deslocamento do significado, e não em volta dele como nas formas tradicionais de expressar.

Marcello Castilho Avellar

Medusa

2011-05-11T06:10:00.000-07:00

Numa conversa no domingo, alguém criticou o último espetáculo apresentado no Festival Ruínas Circulares, Medusa da companhia chilena La Trompeta, por insistir no tema da ditadura. Numa fala condescendente, mencionou que é compreensível uma obra como aquela, já que os chilenos ainda não teriam superado seus anos sob o autoritarismo. Lembrei-me de conversa semelhante, anos atrás, a respeito de espetáculo que o coreógrafo Luiz de Abreu montava em Salvador. A queixa, então, era que lá vinha Luiz de novo insistir no tema do racismo dos baianos. Ora, a Bahia, com sua importante população negra, continua escrevendo algumas das páginas mais terríveis do racismo no Brasil; e quem não superou os traumas da ditadura fomos nós – basta ver o desconforto que surge cada vez que se debate os limites da lei da anistia ou se fala na abertura de informações sigilosas. Na verdade, o desconforto com a encenação das duas questões estaria no espaço oposto: gostaríamos que não fossem debatidas porque nos incomodam, desagradam, lembram-nos de nossa incompetência na solução delas.

Em Medusa, três mulheres vivem trancadas dentro de um apartamento. Desejam sair, mas sabem que se o fizerem sem proteção, serão mortas por causa do trabalho que realizam: entregar pessoas a um misterioso órgão de segurança. É metáfora das boas: não importa de que lado você esteja, a vida é terrível se do lado de fora existe alguém que acumula poder em excesso.

De todos os espetáculos apresentados no Ruínas Circulares, Medusa pode ser considerado o mais convencional. Para sua apreensão, a compreensão do texto é tão importante quanto a de qualquer nuance no corpo ou na voz das personagens – mesmo operada precariamente, a apresentação de legendas foi decisão sábia. Essencialmente, tivemos diante de nós um gabinete com pretensões a síntese realista, personagens realistas se apresentando diante de nós numa relação completamente frontal, ações encadeadas em simulacros de causa-e-efeito. Tem força principalmente pela intensidade de seu trio de atrizes, a maneira como se jogam com bravura, fisicamente e emocionalmente, umas contra as outras, como conduzem suas personagens rumo a alianças e confrontos. A metáfora de Medusa não está apenas no texto, mas na maneira como o elenco define o espetáculo.

Marcello Castilho Avellar

Leituras, dramáticas?

2011-05-10T19:07:00.000-07:00

No último dia 30 começou, em Uberlândia o Festival Ruínas Circulares, e para abrir a primeira noite do evento tivemos uma leitura dramática. Nessa noite tivemos duas leituras, a primeira feita por Narciso Telles de um texto retirado do livro “Zona periférica: o teatro de Daniel Veronese”, e a segunda por José Benedito de Almeida Junior com um texto de autoria própria. O que mais me chama atenção em leituras dramáticas é que a forma como elas são feitas pode ser muito livre, pode cada leitor/ator sentar e ler seu personagem, uma pessoa ter vários personagens e ler sozinha, apensas rubricas, ou apenas falas, enfim. Sendo uma leitura e sendo dramatizada “ta valendo”.

O trabalho do José Benedito me chamou bastante atenção, ele fez uma leitura de um texto escrito por ele mesmo, e lendo o texto estavam mulher, filhos e amigo. Um trabalho muito bem escrito e vale apena ser lido e encenado, acredito ser meio longo para uma leitura dramática, porém vi que foi uma ótima forma encontrada por Benedito para divulgar seu trabalho, afinal ele é professor do curso de filosofia da UFU e muitos artistas e simpatizantes de arte não sabem que coisas legais acontecem fora do meio de criação profissional.

Em conversa com o escritor, descobri que a vontade de fazer e escrever teatro vem de muito antes, antes mesmo de optar pela filosofia, disse inclusive que ainda tem vontade de estudar teatro profissionalmente.

E assim foi iniciado o III Festival Ruínas Circulares, com muitos estudos, pois só assim temos arte de qualidade.

VÁ AO TEATRO E ME CHAME...OU CALLE! (Por Robisson Sete)

2011-05-09T13:26:00.000-07:00

foto : Trupe de Truões

O Festival Latino Americano de Teatro Ruínas Circulares se instaurou na cidade de Uberlândia desde o último sábado. Trazendo uma programação com excelentes grupos nacionais e estrangeiros, de países como Chile, Peru, Colômbia e Espanha, além de palestras e mesas redondas. O Ruínas afina o discussão sobre a atualidade da arte dramática para além dos horizontes locais e do debate nacional. Experimentar é a ordem, acima de tudo quando se fala de Teatro, onde a devida construção da obra, da montagem, se dá justamente na experiência direta com o público.

Ontem assisti a peça CALLE! da Trupe de Truões, grupo local que tem 8 anos de estrada, montagens e festivais nas costas. A peça gira em torno de memórias e experiências da francesa Maria, dessa forma todos os atores interpretam seus personagens como se fossem alteregos desta Maria, que é real e esta viva, e de suas próprias relações, medos, (des)amores e desejos.

Se a arte é comunicação acima de tudo, o discurso construído pelo grupo, te pega de cheio. Como não se identificar com os personagens em situações onde meros telefonemas são aguardados como cartas de alforria dentro de uma noite de amargura, ou das amigas que querem te levar para a farra depois duma separação dolorosa. A peça versa predominantemente sobre reviravoltas, sobre dar a volta por cima e enxergar nossos próprios ridículos. Certo momento uma frase do poeta Fernando Pessoa é dita em tom tragicômico por um do personagem, “Todas as cartas de amor são ridículas, se não fossem ridículos não seriam cartas de amor.” Feito isso podemos perceber o fio da meada de Calle! e o que talvez seja a proposta do texto, compreender que o ser humano de forma geral leva a serio demais a si mesmo em situações e coisas que são simples, mas que ao final se tornam imensas e brutais pra quem as vive. “Sai de mim, sai da minha carne” diz uma personagem noutra cena. Suplica ela, nua e louca, que desapareça de seu corpo esse amor que não lhe compõe mais, esse veneno que arde na carne e salta aos olhos. Calle! vale a pena ser visto, e revisto. Um espetáculo tragicômico, que te propicia muitas risadas. Risos, talvez, sobre você mesmo e como somos extremamente ridículos em nossos mínimos universos.

Peça findada, saí do Teatro Rondon e fui caminhar pela cidade, beber um gole no Bar da Tia Raquel. Havia agora as Noites Performáticas a se iniciarem noEspaço Veredas, com discotecagem da Luiza Guedes e vista pra o céu nublado da cidade de Uberlândia. Na rua, lembrei dum poema que escrevi a um tempo falando sobre o cerrado...

O cerrado é errado?

E o deserto, entao?

De certo é certo?

Me veio à mente o que pensam os chilenos, os atores do grupo que participa do Ruínas, sobre nosso ecossistema, ao se defrontarem aqui com tantas árvores tortas e de cascas grossas e secas.

foto : Livia Moura

O Veredas comportou perfeitamente as Noites Performáticas e suas intervenções, obrigando o público a seguir os atores em suas andanças pelas salas do lugar, causando assim uma apropriação particular dos presentes sobre os espetáculos.

Carolina Tannús e Jhonatan Rios tomaram conta das escadarias do Veredas com sua “Investigação em Processo” e fechando a noite, Priscilla Bello e, novamente, Jhonatan Rios apresentaram o impactante “Objetos Sólidos”. Utilizando uma lâmpada como objeto cênico, o casal de beleza impar, lida em sua performance, justamente com algo tão insólito e intocável, como a luz. Maravilhosa contradição.

Pensar o Teatro e suas apropriações, é hoje a missão dos atores, dramaturgos, teatrólogos e companhias. E pensar a arte dramática em Uberlândia, onde atualmente vivemos uma trágica situação de demolição do histórico Teatro Grande Othelo é incumbência primordial a quem vive, ama e se arrepia com o poder dos palcos.

Ironia suprema.

Lembremos que se o Festival se chama Ruínas, talvez possa ser esse o destino de mais um espaço cultural da cidade. Se isso acontecer, saberemos que cada um de nós tem sua parcela de culpa ao não se levantar da cadeira e ir de encontro à coxia do debate público. Pois se nosso prometido Teatro Municipal, na Avenida Rondon Pacheco, vive em eternas e infindadas obras, e o Grande Othelo está a mercê do descaso do poder público, celebremos oFestival, estas sim promissoras, Ruínas Circulares. Os escombros da noite de ontem ainda caem, prazerosamente, em minha alma.

Portanto, vá ao Teatro, e me chame!!!

foto : Livia Moura

Festival por Revista Bacantes

2011-05-08T17:38:00.000-07:00

Festival Latino Americano de Teatro Ruínas Circulares – 3º Edição

por Revista Bacante

Começou no dia 30 de abril a 3º edição do Festival Latino Americano de Teatro Ruínas Circulares, emUberlândia/MG.

No sábado o pontapé inicial foi dado com leituras dramáticas de textos de autores latino-americanos, e ontem foi a vez do Lume (Campinas) apresentar sua “Parada de Rua” na Praça Tubal Vilela.

Lume posando pra foto em frente o Cham’s, o ponto turístico do cerrado. foto: Fernando Prado

Onde está o Wally? foto: Fernando Prado

Nessa edição a Bacante foi convidada para a realização de diálogos críticos, que tem como objetivo realizar um acompanhamento crítico das atividades do Festival, especialmente com foco nos espetáculos e nas relações de aproximação e diferenciação entre eles. A proposta é que este acompanhamento percorra o caminho inverso do que comumente ocorre em festivais deste porte, ou seja, parta da recepção e não da concepção. Assim, a ideia destes encontros será a realização de um debate e o desenvolvimentos de parâmetros críticos de interpretação das obras de arte a partir do repertório e da experiência artística vivenciada pelo público do festival, pelos espectadores. Privilegiando a posição e as impressões do espectador, estaremos verticalizando um estudo da recepção que se apresenta como um caminho produtivo para compreendermos melhor tanto o público de teatro, quanto a própria produção artística, tomando por base a maneira como ela se comunica, como ele toca as pessoas.

Confiram a programação no site do festival: www.ruinascirculares.com.br

Abra suas asas, solte suas feras. foto: Fernando Prado

Eldorado

2011-05-07T11:22:00.000-07:00

A personagem de Eldorado nos informa que tenta encontrar a terra mítica que dá nome ao espetáculo. Mentira. O que ele busca é a própria busca. Sabemos que se porventura chegasse onde afirma querer chegar, sua vida acabaria. O tema do espetáculo dirigido por Marcelo Lazzaratto e interpretado por Eduardo Okamoto pode não ser novo. A maneira como se organiza num monólogo, contudo, e as direções para onde sinaliza, valem a apresentação.

Não importa onde nosso herói esteja, é como se ele voltasse sempre ao mesmo lugar. Como se a busca fosse, ela própria, um lugar. A circularidade está na estrutura e no uso do espaço. Lembra-nos uma das poucas pistas que Samuel Beckett nos deu sobre os enigmas de Esperando Godot, que escrevera a peça em dois atos porque se fosse apenas um, não veríamos que o segundo era igual ao primeiro, se fossem três, o último seria supérfluo, porque igual aos dois anteriores.

A circularidade está na próprias unidades de movimento e voz com que Okamoto desenvolve a trajetória (ou não-trajetória) de sua personagem. Enquanto finge que nos conta outras histórias e apresenta novas ideias, ele repassa e recombina gestos e sons. Eldorado é daqueles espetáculos que se organizam como caleidoscópios. Se formos prestar atenção, sua performance é organizada a partir de uma diversidade relativamente pequena de elementos, quase como se nos propusesse um pequeno léxico cênico. Seu trabalho é construir frases com esse léxico, combinando as “palavras”.

É a combinação que é maravilhosa, por uma série de razões. Primeiro, a elegância com que nunca é forçada – o jogo flui como se nem fosse uma construção, ou como se fosse construção tão espontânea que nunca evidencia sua artificialidade. E qualquer um que trabalha com arte sabe quão complexa é qualquer construção que aparenta espontaneidade. Segundo, a expressividade. Aquelas poucas células parecem aptas a expressar praticamente tudo o que intérprete pretende – temos, então, uma linguagem cênica que assemelha-se à fala pela facilidade com que se organiza em sintaxe própria e, ao fazê-lo, acrescenta sentidos ao que cada unidade do léxico proposto pelo espetáculo diz por si mesma.

Essa proposta, em si, não é novidade. O próprio Ruínas Circulares apresentou obra magnífica construída a partir da mesma lógica, a Antígona, do peruano Yuyachkani. A própria presença destes dois espetáculos (e da parada do Lume, uma das nítidas inspirações de Eduardo Okamoto e Marcelo Lazzaratto em Eldorado) nos mostra a variedade de resultados que essa estratégia de construção pode atingir. Na Antígona, por exemplo, tínhamos uma intenção nitidamente política e narrativa. Eldorado propõe outra direção: um debate intenso sobre a própria condição transitória do ser humano e os mitos que construímos para nós mesmos sobre esta condição – ou para pensar que não estamos determinados por ela.

Marcello Castilho Avellar

Da série “Perguntas que não querem calar”

2011-05-07T08:14:00.001-07:00

Por que diabos as pessoas fazem fila por meia hora pra entrar num teatro se as poltronas já foram marcadas?

Marcello Castilho Avellar

Da série “Coisas que precisam mudar”

2011-05-07T08:13:00.001-07:00

Tá certo, com a aproximação maior entre os países do continente, já era hora de sermos todos completamente bilingues. Mas enquanto isso não ocorre, não era bom os festivais investirem em estrutura para projetar legendas nos teatros?

Marcello Castilho Avellar

A batalha pelo espaço

2011-05-07T08:00:00.001-07:00

Uns poucos de nós criamos espetáculos nos locais onde serão apresentados. A maioria cria dentro de salas de ensaio dos mais variados tamanhos e formatos, sendo obrigada, então, a pensar o espaço de apresentação como algo abstrato – e a adequar a criação aos espaços concretos quando o espetáculo estiver sendo exibido. A mesma coisa ocorre quanto espetáculos viajam – ou seja, mesmo se foram construídos em seu espaço natural de representação, são retirados dele para alcançar maiores públicos. O resultado desse conflito é que geralmente nossas apresentações cênicas não exploram todo o potencial daquilo que criamos. E festivais como o Ruínas Circulares acabam sendo exemplares neste sentido.

Se houve um senão na apresentação de Fragmentos de libertad, por exemplo, foi sua concessão ao Teatro Rondon Pacheco. Salta aos olhos que o elenco não queria um palco italiano, o espetáculo praticamente implorava por uma passarela verdadeira, com platéias equivalentes dos dois lados, mesmo que montada provisoriamente em algum espaço alternativo. Calle!, por sua vez, organizou-se numa semiarena, ou “esporão” – palco quase cercado pela plateia, mas com fugas no fundo. Só que, ao contrário do que ocorre num espaço construído para ser uma semiarena, a improvisação do esporão no Rondon Pacheco resultou em má visibilidade para os espectadores que ocupavam as platéias laterais (improvisadas no palco do teatro). E o elenco ainda precisa aprender muito até conseguir resistir à tentação de virar o máximo possível do espetácuo para frente – algo que só é possível numa tradicional relação à italiana.

Em compensação, há experiências tão adequadas na maneira como articulam o espaço cênico que chegam a provocar a curiosidade em ver como ficariam se submetidas a outras relações. A Antígona do grupo peruano Yuyachkani é bom exemplo disso. A atriz Teresa Ralli domina tão bem o palco que é fácil acreditar que ela dominaria o espaço mesmo em outras dimensões, formatos ou relações. Podemos imaginar, por exemplo, uma apresentação de Antígona em espaço aberto, como uma praça. Perderíamos no visual, claro. Mas como a atriz concentra em seu trabalho até mesmo a atmosfera do espetáculo, é provável que ele sobrevivesse em sua essência. E em compensação à perda, teríamos o estranhamento que a obra, tanto em sua força política quanto na ousadia formal, poderia produzir em pessoas comuns, que usualmente não estão nas platéias dos teatros. Não seria uma troca justa?

A ironia da história é que Uberlândia costuma dar passos adiante nessa questão do espaço para, logo depois, dar passos atrás. Há anos, um festival de dança aceitou projetos em qualquer espaço e realizou suas principais apresentações em praça pública; na temporada seguinte, retornou a um formato mais convencional, centralizado num ginásio e com apenas uns poucos programas em locais alternativos. O Ruínas Circulares vive essa curiosa contradição: programa espetáculos ousados, como realidade (Fragmentos de libertad) ou uso potencial de outros espaços (Antígona), e os reduz à tradição.

Marcello Castilho Avellar

O CORPO QUE CADA UM É ( visão psicanalitica desta oficina.)

2011-05-06T15:35:00.000-07:00

Olá .

O corpo fala ...

Fernando Montes o facilitador da oficina ,no primeiro contacto "hoje vou falar com seus músculos"."então tinha que escutar com o corpo.

Inda mais, tudo que o ator constroi para sua personagem começa na coluna vertebral,seu braço n começa no ombro..começa na coluna.E haja coluna...eu virei pó.

é do pó que nos transformamos( ou viemos)e (novamnete seremos), dai a ressignificação humana proposta por profissionais da ARTE DE PSICANALISAR .

Mas Fernado Montes continua "vou falar com seus sentimentos"como seria esta minha escuta??meus sentimentos?como posso expor meus sentimentos?Ah mas ele fala..num jogo de APAREÇA

ESCONDE .muito ludico... o passar o foco, o ser escada ,o receber o foco , na ribalta na cochia, a personagem criada pelo ator sem a criação do diretor revela sua verdade.

.e..(.nada de LÚDICO é real,o sentimento e ator.)dai o pontuar no seting analítco,não dirigindo, nem emitindo juízo de valor.

Fernando Montes prossegue, "hoje falerei com suas almas..nada agora é consiente"como assim? entego minha alma? vou abrir meu inconsciente? Ahhhhhhhhhhh haja energia...

Numa anologia de que a OFICINA não éra de graça ele cobrou ... e que pagasse, (com suor) a alma do ator.... lembrdo Lacan...

a análise tem que ser CARA , cara de querida...

....sim esta oficina realmente froa-me muto CARA....(de querida claro )

Regina siegler

Estrada a percorrer

2011-05-06T11:47:00.000-07:00

Duas razões fazem de Calle!, da Trupe de Truões (Uberlândia, MG) um espetáculo inferior aos outros que já se apresentaram no Ruinas Circulares. Ambas se referem à maturidade – do espetáculo e do grupo. O espetáculo acaba de estrear, ou seja, teve pouco tempo para ser testado e ajustado no único teste realmente válido para uma obra cênica – o contato com o público. O grupo já tem algum tempo de estrada e pelo menos um espetáculo singular, o infantil Simbá, o marujo ¬– mas a simples comparação entre as duas obras nos mostra que a companhia ainda não conseguiu afirmar um caminho, uma técnica, uma estética própria. Falta-lhe aquele salto que transforma um grupo quase anônimo entre muitos numa marca consolidada, com espaço próprio no imaginário e no mercado de teatro.

Felizmente, o material para este salto pode estar sendo construído pelo grupo. Calle! pode ser espetáculo imperfeito, mas tem momentos que legitimam sua existência. Seu elemento mais forte é a liberdade com que edita as situações que nos propõe. Não se trata apenas de um conjunto de variações em torno de determinado tema, como ocorre na maioria das vezes em que se escolhe um assunto para “desenvolver” no palco. O que nos interessa em Calle! é o jogo, o ir e voltar, o parar pra brincar no meio de tudo. É isso, talvez – que já podia ser sentido em Sinbá – que aponta um caminho, mostra que a Trupe de Truões pode estar prestes a encontrar algo que é só dela.

É caminho longo. Edição complexa como o jogo que o grupo propõe só faz sentido se muito bem calibrada (daí a necessidade de amadurecer na relação com o público). Calle! ainda não chegou a este ponto. Às vezes fica em dúvida se o espectador captou completamente a brincadeira e insiste nela, em nítido contraste com as passagens em que o jogo parece fluir com liberdade. Propõe humor com gosto amargo, mas fica com um pé atrás quanto a possibilidade disso ser incômodo demais para o espectador. Conta com o elemento mais essencial para conseguir percorrer a estrada: o elenco parece acreditar naquele jogo, gosta dele e transmite este prazer aos espectadores. Não é o suficiente para construir um espetáculo inesquecível; mas é de onde boa parte dos espetáculos inesquecíveis começaram.

Marcello Castilho Avellar

O corpo que cada um é

2011-05-05T13:23:00.000-07:00

Nos dias 03, 04 e 05 de maio, aconteceu a oficina “O corpo que cada um é” ministrada pelo ator Fernando Montes e o grupo Varasanta de Bogotá/Colômbia.

A oficina, reuniu atores, bailarinos e até uma psicanalista. Foi cansativa, mas divertida e extremamente proveitosa.

Focando sempre na energia, trabalhando individual e coletivamente com exercícios de corpo, voz e criação conseguiu atingir seu objetivo e extrair o melhor de cada participante, apesar da pequena duração.

Juliana Ladeira

Los niños perdidos

2011-05-05T13:19:00.000-07:00

No dia 02 de maio, aconteceu no teatro Rondon Pacheco o segundo espetáculo do Festival Latino Americano de Teatro: Ruínas Circulares, 3ª edição - 2011.

O grupo Micomicon de Madri/Espanha apresentou a peça “Los Niños Perdidos” que encantou a platéia.

Num misto de alegra e tristeza os atores abordaram um tema sombrio que ocorreu recentemente em seu país, Espanha, o desaparecimento e morte de crianças em prisões, trens ou albergues religiosos.

E parece que não foi só o público que saiu satisfeito, o grupo revelou que gostou do Brasil, de Uberlândia e da espontaneidade das pessoas daqui.

Juliana Ladeira

Da série "Pequenas coincidências"

2011-05-05T12:10:00.001-07:00

Provavelmente não foi planejada. Mas acaba sendo uma homenagem justa que logo hoje, 5 de maio, Dia Internacional da Língua Portuguesa, a programação do Ruínas Circulares no palco do Teatro Rondon Pacheco apresenta, pela primeira vez, um espetáculo brasileiro.

Marcello Castilho Avellar

Da série "Frases para não esquecer"

2011-05-05T12:09:00.000-07:00

"O Brasil vai ser hexacampeão mundial de futebol em 2014"

(do elenco de Fragmentos de Libertad)

Marcello Castilho Avellar

A outra história

2011-05-05T12:01:00.000-07:00

Antes mesmo de qualquer significado artístico, um evento como o Ruínas Circulares tem importância política. Ao longo da maior parte de sua história, o Brasil e a América hispânica se viraram mutuamente as costas, como se fossem vizinhos brigados que não se falam, mesmo quando passam um pelo outro todos os dias. Nos últimos anos, tem havido aproximação maior entre os países do subcontinente, mas ela passa mais pela economia e a geopolítica que pela cultura – ou seja, é uma falsa relação em que um se comunica com o outro mas não se ocupa de conhecer o outro. Qualquer relação verdadeira, profunda, passará necessariamente por esse conhecimento, pelo contato com o imaginário do outro. Esse fato dá particular dimensão à apresentação, no festival, de Fragmentos de libertad – 200 años, pelo Avante Teatro, de Bogotá (Colômbia).

De novo, podemos pensar em Fragmentos de libertad como algo que faz sentido antes mesmo de ser obra de arte. Trata-se de uma daquelas criações que têm, como objeto, a crítica à história oficial. Na Colômbia – como em todos os outros países latino-americanos – a história, ao ser escrita pelas classes dominantes, adquiriu também um conteúdo de afirmação da raça e da religião. É, na essência, uma história dos brancos, dos ricos, dos católicos. Ao conflito de classes juntaram-se pelo menos dois outros, e o discurso histórico, que deveria servir para ajudar as pessoas a compreender suas identidades coletivas, tornou-se ferramenta para ocultá-las e, através destes ocultamentos, reproduzir as estruturas de discriminação. Quem acompanha, no Brasil, a luta dos movimentos negros pelo reconhecimento tanto de direitos quanto de sua importância na construção do país, e a reação, da violência física ao sarcasmo, contra eles, só precisa substituir “negros” por “índios” para compreender um dos principais pontos de tensão na Colômbia contemporânea. Fragmentos de libertad pretende usar a mesma arma do sarcasmo na luta pela construção daquela nova identidade nacional, expondo as contradições daquela narratica pseudo-histórica branca, católica e burguesa.

No que se refere à arte, Fragmentos de libertad representa agradável surpresa para os que apreciam certo segmento da cena brasileira cujo expoente máximo é o Teatro Oficina, de São Paulo. Sua lógica é a da carnavalização. O espetáculo opera como um sistema de poesia, canto, dança e interpretação, em que nenhum dos elementos se encontra isolado dos outros. A informação contida no sistema aparenta-se ao que é produzido a partir da ideia de antropofagia que marca a arte brasileira desde os modernistas: são fragmentos que, se pensados isoladamente, podem vir de milhares de fontes, mas editados da maneira como estão, parecem definir uma cultura específica – aqueles cortes não poderiam ser feitas por brasileiros, por exemplo.

O conjunto é divertido, mas deixa sabor amargo na boca: quando nos pegamos rindo da tragédia alheia, ou agindo simbolicamente para agredir a cultura alheia, somos confrontados à agressão e ao descaso de que nós próprios somos vítimas. Neste sentido, Fragmentos de libertad traz consigo a melhor política para a cidadania: expor o absurdo da opressão e da discriminação. E, de quebra, nos lembra quão absurdo – e ridículo – é aquele virar as costas ao outro que marcou a trajetória latino-americana: o espetáculo nos lembra que nossas semelhanças são bem mais fortes que as diferenças. Do modo de contar a história oficial ao modo de demoli-la.

Marcello Castilho Avellar

Nossos mitos contemporâneos

2011-05-04T10:45:00.001-07:00

A apresentação de Antígona no Festival Ruínas Circulares nos lembra o quanto o sentido dos mitos se desloca ao longo da história. Na virada dos séculos 18 e 19, Hegel elogiou a tragédia de Sófocles por sua capacidade de ser dialética, de representar uma contradição entre a lei dos deuses, natural, e a lei da cidade civil, antagônicas mas inseparáveis. Hegel percebia, no texto, um equilíbrio perfeito e, por isso, trágico entre os dois valores. O engraçado da história é que possivelmente os gregos do século 5º a.C. e o próprio Sófocles não viam o mundo assim. Com seu quase desconhecimento da ideia de indivíduo e valorizando bastante a cidade, é provável que o público ateniense desse mais razão ao rei Creonte na sua obsessão em punir, mesmo depois de morto, o príncipe que atacara a cidade natal, que a Antígona, decidida a realizar os ritos fúnebres em homenagem ao irmão morto. Em compensação, no século 20, desde que Bertolt Brecht se apropriou da tragédia de Sófocles para construir sua Antígona ostensivamente política, tendemos a nos identificar mais com a heroína, percebendo-a como símbolo perfeito da luta da liberdade contra a opressão.

O grupo peruano Yuyachkani nos lembra o quanto na América Latina precisamos deste olhar sobre Antígona. Boa parte de nós cresceu sob ditaduras, e não ditaduras assumidas, mas autoritarismos que se disfarçavam sob ordenamentos jurídicos burocráticos, que até mesmo mantinham parlamentos em funcionamento, como no Brasil – mas não eram menos autoritários por causa disso. Aprendemos a desconfiar da lei civil porque sabemos como pode ser manipulada pelo poder político ou econômico. Desejamos ardentemente uma “lei dos deuses” – da ética, da moral, do bem-estar coletivo, que nos proteja contra o arbítrio do poder. Por mais ideológica que seja a opção do Yuyachkani e de outros grupos que, no continente, se dedicam a reescrever o mito de Antígona, ela não vale pela ideologia, mas pela necessidade: precisamos que as ideias de Antígona, e não as de Creonte, sejam vitoriosas por aqui.

O Festival Ruínas Circulares vem mostrando outras pequenas migrações de significado que falam bastante de nossas necessidades contemporâneas. São enunciados que, se lidos literalmente, constituem inverdades, mas quando contextualizados, revelam nossas carências. No debate que se seguiu à demonstração de processo do grupo espanhol Micomicón, na terça-feira, por exemplo, alguém na plateia, referindo-se à produção, disse que “aqui no Brasil a gente acha que em outros lugares o teatro é mais valorizado”. Valeria a pergunta “A gente quem, cara pálida?”, porque a pergunta induz alguém a pensar que todos os brasileiros acham isso, ou, pelo menos, que todos os agentes teatrais do país pensam assim. A resposta do intérprete do grupo chegou a “O teatro não pode ser arte de massa” – esquecendo da Broadway, dos teatros renascentistas e barrocos em diversos lugares (inclusive a Espanha), ou, já que o texto começou ali, dos teatros gregos e romanos onde cabiam milhares de pessoas – toda a população de cidadãos e homens livres das cidades a que serviam.

Estariam nossos participantes do festival mentindo? Não. Apenas sabem onde estão. Sabem que quando se referem a “a gente” ou a “teatro”, não falam de todas as gentes ou de todo o teatro, mas de uma determinada representação de pessoas ou de teatro. A de teatro é fácil compreender – um teatro intencionalmente construído para expandir linguagens e não para se conformar com as existentes, e para promover transformações no mundo, e não para afirmar conservadoramente os valores do mundo. A partir dessa definição, entendemos “a gente”: o conjunto de tribos cênicas interessadas nesse teatro, concentrado, principalmente, em grupos, coletivos, escolas. Alguém pode acusar essas representações de serem redutoras. Mas, como em nossa paixão por Antígona e nosso repúdio a Creonte, é questão de sobrevivência: se alguns de nós não perceberem esse teatro militante como “o” teatro (e seus ativistas como “a gente”), não haveria qualquer diversidade nos palcos. E como a ideia de diversidade está no próprio centro da existência contemporânea, falar de palcos sem diversidade cedo ou tarde significaria falar em vida sem teatro

Marcello Castilho Avellar

Da série "Coisas que precisam mudar"

2011-05-04T08:49:00.000-07:00

Nas últimas semanas, a classe artística de Uberlândia se mobilizou contra a possibilidade de demolição do Teatro Grande Otelo. Mobilização das boas, com tropa na rua - o que, para nós, artistas, significa a realização de atentados político-poéticos. E o festival com isso? Como somos capazes de fazer um evento de teatro que vai da sala de aula pra sala de espetáculos e volta, sem uma manifestaçaozinha qualquer sobre o que ocorre fora dos nossos feudos?

Marcello Castilho Avellar

E o LUME passou por aqui

2011-05-04T07:54:00.000-07:00

LUME no Centro Cultural Veredas após apresentação do espetáculo Parada de Rua no Festival Ruínas Circulares.

Antigona

2011-05-04T07:18:00.000-07:00

Volta e meia, brinco com meus alunos que a essência de qualquer história (a palavra vista aqui como enredo + ponto de vista) pode ser apresentada em forma de monólogo. Para que isso ocorra, são necessários apenas dois elementos: um dramaturgo de primeira; e um performer sublime. A dramaturgia de José Watanabe para a Antígona do Yuyachkani (Lima, Peru) é de primeira. A interpretação de Teresa Ralli, sublime. É isso que faz do espetáculo uma das criações mais belas apresentadas no Brasil este ano.

Para aprendizes de teatro, aquele desafio é ótimo exercício. Para um intérprete profissional, é alcançar a essência do próprio teatro. É isso que encontramos em Antígona. Se Teresa Ralli consegue levar ao extremo a possibilidade radical de ser, ao mesmo tempo, narradora e personagens do espetáculo, é porque consegue levar ao extremo algo central ao próprio teatro: o estabelecimento de relações no espaço e no tempo. Em geral, reduzimos essa prática às relações com o outro performer e o público – e já está de bom tamanho, pois boa parte dos elencos acha que pode interpretar pensando em si mesmo.

Teresa Ralli não tem a “muleta” do parceiro de cena. Em compensação, encontramos um corpo e uma voz com treinamento tal que temos a nítida impressão de que cada músculo e cada timbre dialogam com outro músculo e outro timbre, e esse diálogo é projetado para a plateia a cada momento. Não se trata apenas de diferenciar uma das figuras em cena de outra, mas de produzir diferenças dentro de uma mesma figura – uma sonoridade serena acompanhada de um gesto tenso, uma parte do corpo avançando com convicção enquanto outra ainda teme as consequências de determinada ação, por exemplo.

O melhor é que Antígona não é mero exercício de estética. O Yuyachkani, em suas décadas de existência, surpreende sempre pela coerência ideológica num mundo onde convicções parecem transitórias. Antígona é mais um capítulo na afirmação poético-política do grupo: um chamado a valores éticos como a justiça e a liberdade, que não faria sentido – ou, pelo menos, não teria força – se não fosse acompanhado exatamente daquele jogo cênico. A impressão que se tem é que Teresa Ralli e seu diretor Miguel Rubio Zapata construíram seu espetáculo exatamente a partir dos princípios de que ele trata. Antígona não poderia existir apenas a partir da intuição dos artistas, é nitidamente uma construção sobre escolhas conscientes de signos e estruturas – exatamente a trajetória de sua heroína, cuja grandeza e tragédia é exatamente não aceitar passiva o que lhe é ditado. Por isso a síntese, a quase ausência de elementos em cena, e a diversidade de usos destes elementos: talvez seja a consciência do artista, e não seu talento ou intuição, que descubra o significado de cada coisa, da luz ao objeto, no palco ou no mundo.

Marcello Castilho Avellar

Liberdade de produção de conteúdo é tema de oficina

2011-05-03T15:16:00.000-07:00

A oficina de Midialivrismo Cobertura Colaborativa: Festival Ruínas Circulares foi uma iniciativa do Circuito Fora do Eixo. Ela possibilitou um momento de debate e troca de experiências sobre o tema entre os participantes, no dia 30 de abril. Os ministrantes da oficina, Victor Maciel e Artur Ayroso, afirmam que o midialivrismo (“mídia livre”) é um fenômeno recente, que surgiu com a internet, a facilidade e o acesso às tecnologias (notebook, netbook...). Para Maciel, “mídia livre são todas essas novas formas de produzir conteúdo que não estão vinculadas a essa estrutura

tradicional de comunicação”.

Foto tirada durante a oficina por Artur Ayroso usando notebook

No midialivrismo há, de acordo com os ministrantes da oficina, diferenças entre o cidadão multimídia e o repórter multimídia. No primeiro caso, é a possibilidade de qualquer individuo, independentemente da área de atuação, poder produzir conteúdo. Já no segundo, afirma Victor Maciel, “é a galera que tem mais a responsa de gerir esse processo de comunicação”.

O midialivrismo pauta o exercício da democracia e da cidadania durante os eventos (espetáculos teatrais, oficinas, mesas redondas) do 3º Ruínas Circulares – Festival Latinoamericano de Teatro por meio da cobertura colaborativa. Artur Ayroso explica que a cobertura colaborativa acontece quando várias pessoas fazem a cobertura midialivrista de um evento. “Essa cobertura não precisa ser exatamente centralizada ou feita de uma linguagem fria e jornalística. Você vai escrever mais sobre a sensação do que você tá presenciando, é o seu ser enquanto participante daquela ação”, afirma Ayroso.

As coberturas colaborativas, explicam Maciel e Ayroso, nem sempre são formadas por comunicadores sociais, porque nelas não há a necessidade de que os colaboradores conheçam, especificamente, o que é o Jornalismo, a Comunicação Social. Isso pode ser verificado na própria oficina, que contou com participantes dos mais diversos cursos: teatro, jornalismo, dança e psicologia. Essa cobertura colaborativa acontece do dia 30 de abril a 08 de maio, duração dos eventos do Festival.

Ana Beatriz Tuma

Da série “Frases pra não esquecer”

2011-05-03T09:29:00.001-07:00

“É muito mais expressiva uma voz suja” (Jesser de Souza, do Lume).

Marcello Castillo Avellar

Da série “Coisas que precisam mudar”

2011-05-03T09:24:00.001-07:00

Não era hora de a UFU melhorar sua sinalização interna? Como alguém de fora acha um prédio que se chama “3M” sem uma setinha indicando? E como os alunos se sentem sabendo que fazem parte de uma letra e um número?

Marcello Castilho Avellar

O absurdo é a vida

2011-05-03T08:26:00.000-07:00

O espetáculo Los niños perdidos, que a Produccionies Micomicón (Madrid, Espanha) apresentou no Teatro Rondon Pacheco segunda-feira à noite ajuda a nos lembrar o quanto o imaginário político dos espanhóis se aproxima de seu análogo latino-americano. Não se trata apenas de uma questão temática – Los niños perdidos, com suas três crianças escondidas num sótão enquanto algo horrível pode estar ocorrendo lá fora, evoca o franquismo, como boa parte de nossa criação cênica trata do horror da vida sob ditaduras e das sequelas deixadas por elas. A afinidade entre nós e o espetáculo espanhol está, antes de tudo, na maneira como sua cena se organiza a partir da idéia de que a própria existência é fundada no absurdo.

A palavra “absurdo” chegou ao teatro logo depois da Segunda Guerra Mundial, para designar um conjunto de peças que partiam de um olhar existencialista do mundo, operavam a partir do questionamento da própria linguagem como meio adequado à compreensão do mundo e apontavam as fraturas lógicas presentes em qualquer discurso não como inerentes ao discurso, mas às contradições presentes nas realidades que ele representaria. Conscientemente ou não, a dramaturgia de Los niños perdidos chega a uma série de situações que constituem fragmentos daquele teatro existencialista – inclusive textos que, embora nunca tenham sido chamados de “teatro do absurdo”, são aparentados com ele.

Como os heróis do Esperando Godot, de Beckett, nossas personagens aguardam algo externo que nunca chega, mas pode transformar suas vidas. O que está lá fora é assustador, como no Amadeo ou Como se livrar dele, de Ionesco, e sua simples proximidade determina boa parte das ações em cena. Num momento poderemos ter uma evocação do Entre quatro paredes de Sartre, O balcão de Genet, O arquiteto e o Imperador da Assíria, de Arrabal. Como nestes textos, não temos como saber se o que é relatado corresponde a uma verdade; mas temos a certeza de que nos espera o horror, o tédio, o absurdo, não importa o que esteja lá fora. Temos uma consciência permanente de que o tempo passa, e que aquelas personagens tentam, em suas histórias, memórias, jogos que fingem ser a realidade, lidar com o desconforto de enfrentá-lo.

O existencialismo caminhou rumo a uma dramaturgia que, se era política na base, recusava a referência política na superfície. Os latino-americanos e, pelo visto, os espanhóis, explicitaram aquela referência. Temos questões como o franquismo, a religião e a moral conservadora como parte do próprio enredo. E temos a ruína material, conseqüência daquelas opções sociais, que determina não apenas a cenografia, mas a própria maneira como nossos heróis se relacionam. As sequelas da violência não conseguem se situar apenas na palavra.

Marcello Castilho Avellar

Da série “Coisas que precisam mudar”

2011-05-02T14:08:00.000-07:00

Oito dias de festival Ruínas Circulares e só uma apresentação na rua? Poxa, cadê o papo sobre formação de público, democratização da cultura e coisa parecida?

Marcello Castilho Avellar

O velho e o novo

2011-05-02T12:54:00.000-07:00

Há um paradoxo gostoso na Parada de rua do grupo Lume, de Campinas (SP). Entra ano, sai ano, e ela é a mesma coisa; e, ao mesmo tempo, a gente nunca vê a mesma coisa duas vezes. O fato de ser a mesma coisa produz uma espécie de sentimento de aconchego: tendemos a gostar do que já conhecemos, gostamos de reconhecer, de saber que há algo permanente num mundo tão instável como o nosso. O fato de ser uma coisa diferente a cada vez que assistimos dá prazer por outro motivo: excita, produz curiosidade, deixa-nos em estado constante de alerta – é bom saber que não estamos condenados à rotina e ao tédio, que o novo existe, que sempre haverá algo que ainda não vimos.

A permanência está no próprio centro do trabalho do Lume. A paixão da trupe pelo clown pressupõe a idéia de que é possível mergulhar a vida inteira num único tipo, em busca de seu aprimoramento – como se estivéssemos à procura de uma forma de perfeição que talvez seja impossível. Essa idéia, em si mesma, contém uma subversão frente aos valores dos dias de hoje. Quando perguntamos a atores ou aprendizes de teatro o que consideram um bom performer, a maioria responde que é o intérprete capaz de desenvolver um papel diferente a cada dia, todos distintos do que o próprio artista é. É resposta típica do nosso tempo burguês, industrial e consumista – importa a quantidade de papéis antes de sua qualidade, importa o consumo voraz de personagens pelos elencos e seu público, importa a adequação do artista às mudanças da moda, importa sua alienação, no sentido da separação entre ele e o fruto do seu trabalho.

O clown nos remete a um tempo pré-industrial, quando era possível levar as coisas até o fim, quando era possível artista e papel serem próximos, quando o tempo era um aliado, e não um rival com quem estamos em competição. Quando assistimos a criações como as dos intérpretes do Lume, encontramos arquétipos, representações de coletividades inteiras e de sua fantasia, radicais em suas qualidades e defeitos, e não personagens que fingem ser indivíduos, com seus dramas individuais e, portanto, necessariamente limitados.

Mas os corpos envelhecem. As mentes amadurecem. E exatamente aí começa a transformação. Enquanto a personagem é uma espécie de cristalização no tempo (o “acontece agora, acontece sempre” do dramaturgo Luigi Pirandello), o tipo segue em frente junto com seu performer. A moçada do Lume envelheceu. Seus corpos mudaram. E os corpos de suas criações mudaram junto com eles. Uma mudança orgânica, já que intérprete e tipo são inseparáveis. Lá estão novas formas de realizar velhas ações, algumas impostas pelas novas condições dos corpos, outras pela descoberta de novas possibilidades – impossível separar as duas categorias, já que a poesia e a graça com que se apresentam a nós permanecem as mesmas. Lá estão novas gags, porque a passagem do tempo leva artistas/tipos a buscarem dizer novas coisas. Lá estão novas maneiras de relacionar com o publico, porque o mundo mudou, os performers mudaram, e o treinamento permanente torna possíveis coisas que antes sequer eram imagináveis. O Lume tem algo de mestres como Mozart ou Shakespeare: a capacidade de nos pegar de surpresa mesmo quando preenche uma forma que pensávamos conhecer.

Marcello Castilho Avellar

Selecionados para as Oficinas deste ano

2011-04-30T18:24:00.001-07:00

A COMISSÃO ORGANIZADORA DO FESTIVAL LATINO AMERICANO RUÍNAS CIRCULARES 3ª EDIÇÃO INFORMA O NOME DOS SELECIONADOS PARA AS OFICINAS DESSE ANO

Oficina - Dramaturgia do Corpo - Eduardo Okamoto (Dias 06 e 07/05 das 09h30 às 13h) - UFU BLOCO 3M

Alexandre Francisco Solano

André Luiz Silva Rodovalho

Débora Helena Aparecida de Souza

Eder Antônio de Souza Arantes

Eluhara Resende Videira

Ernane Fernandes do Nascimento

Fabio Vladimir Silva

Guilherme Conrado Pereira Ríspolli

Juliana Nazar França

Marcella Prado Ferreira

Maria Natália Mahmed Resende

Mariane de Ávila Francisco

Michele Soares

Raoni Carricondo Leite

Renata Mendonça Sanchez

Wellington Menegaz de Paula

Oficina - O Corpo que cada um é - Fernando Montes (Dias 03, 04 e 05/05 das 09h às 13h) - UFU BLOCO 3M

Allan Afonso Paula Santana

Amanda Barbosa Vieira

Ana Carolina da Rocha Mundim

Ana Cláudia Zumpano

Ana Reis Nascimento

Carolina Delfini Vaz

Daniel Genaro

Deivid Ferreira Santana

Diego Pereira Nobre

Emauelle Anne da Silva Dantas

Felipe Braccialli

Linconl Santana Abbiati

Luís Alberto Faria

Maíra Rosa Peixoto

Marcelle Ferreira Louzada

Narciso Telles

Regina Siegler

Ricardo Alvarenga Ribeiro

Thiago Xavier Ferreira

Uilson Junior Francisco Fernandes

Participe

2011-04-19T13:51:00.000-07:00

Abertas as Inscrições para as Oficinas desse ano

2011-04-19T13:47:00.001-07:00

ABERTAS AS INSCRIÇÕES PARA AS OFICINAS DO FESTIVAL RUÍNAS CIRCULARES

Oficina - O Corpo que cada um é - Fernando Montes (Dias 02, das 12h às 16h, 03, 04 e 05/05 das 09h às 13h)

Durante o trabalho a atenção será concentrada na relação-ação entre o “corpo físico” e o “corpo interior”, tratando a sua expressão através de elementos fundamentais da vida orgânica, tais como: impulso, energia, centro, fluidez, equilíbrio, capacidade de reação, precisão, ritmo e contato. Faz-se, assim, uma tentativa de ampliar o conceito de treinamento, visto como “exercício físico”, e restituí-lo à categoria de veículo para a integração, transformação e criação, a partir do reconhecimento de si próprio.https://spreadsheets.google.com/viewform?hl=es&formkey=dEJ2Xzg1UmdTbXFsbE1kbWFFa0N0TWc6MA#gid=0

Oficina - Dramaturgia do Corpo - Eduardo Okamoto (Dias 06 e 07/05 das 09h às 13h)

A oficina apresenta a criação teatral a partir do corpo do ator, em ação. Apresenta estímulos para a dramaturgia de ator: treinamento psicofísico; criação de repertórios físico-vocais; a ação como material; seleção e combinação de materiais. Os exercícios apresentados durante o trabalho procuram sintetizar procedimentos utilizados por Eduardo Okamoto na criação dos espetáculos “Agora e na hora de nossa hora” e “Eldorado”.https://spreadsheets.google.com/viewform?hl=es&formkey=dERmalFZdUF5VllVZUpNVHdwT2ZFWFE6MQ#gid=0

Local das Oficinas: Bloco 3M, UFU, Campus Santa Mônica

EDITAIS ABERTOS PARA A TERCEIRA EDIÇÃO DO FESTIVAL

2011-02-23T09:56:00.000-08:00

O Festival Ruínas Circulares lança os editais para Grupos Locais, Monitoria Remunerada e Leituras Dramáticas para a sua terceira edição que acontecerá de 01 a 08 de maio de 2011.

Clique nos links para acessar os editais e os formulários de inscrição:

GRUPOS LOCAIS

MONITORIA REMUNERADA

LEITURAS DRAMÁTICAS

MAPA - Noites Performáticas

2010-04-29T11:54:00.000-07:00

Para Não se Perder durante a perdição!!! (clique)

Boletim OCO Teatro Laboratório

2010-04-29T09:16:00.000-07:00

http://www.ocoteatro.com.br/

Conexão Ruínas Circulares Arte na Praça

2010-04-28T08:45:00.000-07:00

17:00 – Sol na Garganta do Futuro (ES) convida Jards Macalé (RJ)

Poesia através de uma banda de música juntar a palavra falada e a música atuando diretamente no olhar do espectador não segue um estilo musical é música sem nome toda a produção é distribuída livremente é uma banda é um estúdio móvel formado por Fabricio Noronha Hugo Reis Érico Perim Daniel Bosi Vinicius Fabio o cinema está na essência conceitual do trabalho no palco o ritmo audiovisual é somado à performance cada apresentação segue um ritmo com tantas possibilidades tantos elementos cada apresentação é desenhada – e se torna única.

O grupo capixaba não segue apenas um estilo. Nas possibilidades do texto estão os desafios e o experimentalismo musical. Passeando pelo samba, pelo roque, pelo funkarioca, pela bossa, pelo blues, pelo jazz; é música sem nome. Toda a produção do grupo é distribuída livremente pela internet.

A banda é formada por Fabricio Noronha, voz; Hugo Reis, violão, viola-caipira, guitarra e back-vocal; Daniel Bosi, flauta, violão, guitarra e back-vocal; Vinicius Fabio, baixo, percussão e back-vocal

O Sol na Garganta do Futuro apresenta poesia através de uma banda de música. A vontade de juntar a palavra falada e a música fundou o grupo em 2001. No palco, os textos são recitados acompanhados de uma banda completa – baixo, guitarra, bateria, violão, viola-caipira, flautas, cantos, percussão, além de outros elementos como samplers e projeções de vídeo.

Veja e ouça: www.myspace.com/solnagarganta

JARDS MACALÉ (Rio de Janeiro – RJ)

Cantor, violonista, compositor, arranjador e ator, o carioca Jards Anet da Silva viveu desde cedo em meio à música, seja ouvindo, tocando ou estudando, chegando a trabalhar como copista do maestro Severino Araújo. No futebol, porém, era uma negação: ganhou dos amigos de pelada o apelido de Macalé em "homenagem" ao pior jogador do Botafogo da época. Amigo dos músicos baianos, em 1966 dirigiu um show de Maria Bethânia. Acompanhou de perto o Tropicalismo e, em 1969, entrou sob vaias no IV Festival Internacional da Canção, numa teatral apresentação do rock "Gotham City". Em 1970, Macalé foi a Londres em encontro dos baianos exilados. Com músicas gravadas por Gal Costa ("Hotel das Estrelas", "Vapor Barato"), Maria Bethânia ("Anjo Exterminado" e "Movimento dos Barcos") e Clara Nunes ("O Mais-Que-Perfeito"), resolveu fazer, na volta para o Brasil, seu primeiro LP solo, "Jards Macalé" (1972). No ano seguinte, gravou ao vivo, com vários artistas, o "Banquete dos Mendigos", disco duplo para comemorar o 25º aniversário da Declaração Universal dos Direitos Humanos. Censurado, o álbum só saiu anos mais tarde. Em 1974, Macalé lançou o LP "Aprender a Nadar", apresentando a linha de morbeza (morbidez + beleza) romântica do parceiro Waly Salomão. Num dos vários lances de irreverência de sua carreira, alugou uma das barcas da Cantareira para fazer o lançamento do disco e terminou o show jogando-se no mar. Em 1987, lançou o LP "Quatro Batutas e um Curinga" e curtiu um hiato fonográfico de 11 anos, rompido por "O Q Faço É Música". Nesse meio tempo, seu trabalho veio sendo reconhecido tanto pelos jovens músicos ("Gotham City" foi regravada pelo Camisa de Vênus e "Vapor Barato" pelo Rappa) quanto pelos veteranos (Moreira da Silva, rei do samba de breque, passou-lhe o chapéu).

Veja e ouça: www.myspace.com/jardsmacale

15:30 – Porcas Borboletas (MG)

A banda PORCAS BORBOLETAS, de Uberlândia-MG, vem se consolidando como um dos principais nomes da nova música do Brasil. Com estilo marcado, principalmente, pela inventividade e irreverência, a banda reúne influências do rock e da música brasileira de diversas gerações, investindo em uma estética contemporânea que não se prende a formatos pré-estabelecidos.

O segundo disco da banda, “A Passeio”, lançado em agosto de 2009, traz um novo repertório de canções inéditas, em que a banda apresenta o amadurecimento de sua linguagem estética. O álbum é composto por 12 canções autorais, incluindo uma parceria com a escritora Clarah Averbuck, e reúne convidados como Leandra Leal, Arrigo e Paulo Barnabé, Júnio Barreto, Simone Sou, Arthur de Faria e Bocato, dentre outros.

O álbum foi destaque em toda mídia independente, e ainda em reconhecidos órgãos da imprensa nacional, tais como Revista Bravo!, Folha de S. Paulo e Rolling Stone Brasil, que apontou a música Menos (faixa de abertura de A Passeio) como uma das 25 melhores músicas nacionais de 2009.
"A Passeio” é um lançamento da Mais Brasil Música, Fora do Eixo Discos e Compacto.Rec (lançamento virtual), com distribuição da Alvo. Sua gravação foi viabilizada por meio da Lei de Incentivo à Cultura de Minas Gerais, com patrocínio da Vivo.

Shows de lançamento
A turnê “A Passeio - 2009” percorreu, de agosto a dezembro de 2009, 13 estados brasileiros, realizando 30 shows em 18 cidades. A banda passou por festivais independentes (Goiânia Noise/GO, Jambolada/MG, Contato/SP, Casarão/RO, Omelete Marginal/ES), feiras (Feira da Música de Fortaleza/CE, Feira Música Brasil – Circuito Off Feira Conexão Vivo/PE), encontros de cultura (Balada Literária/SP, Cultura Digital/SP) e casas noturnas. O grupo realizou duas turnês pelo nordeste: a primeira em agosto, indo de Fortaleza a Recife; e a segunda em dezembro, em conjunto com as bandas Macaco Bong e Burro Morto na Tour Fora do Eixo, que realizou 12 shows em 10 dias, de Fortaleza a Salvador, seguindo ainda para Montes Claros/MG e Uberlândia/MG.
Em 2010 a circulação de A Passeio continua. O Porcas Borboletas passou por três edições do Festival Grito Rock (Uberlândia/MG, Anápolis/GO e São Paulo/SP), e pelas cidades de Cuiabá (MT), Campo Grande (MS) e Uberaba (MG), além de ter gravado um especial para o SESCTV e o programa Experimente, do Multishow. O grupo realiza em março uma nova Tour Fora do Eixo, percorrendo 11 cidades de MG e SP em 12 dias, e se prepara para suas apresentações no projeto Conexão Vivo.

Trajetória
O Porcas Borboletas foi um dos selecionados pelo projeto Rumos Música Itaú Cultural 2007-2009, na categoria mapeamento, que escolheu 50 artistas de todo Brasil entre mais de 2.000 inscritos, com o propósito de se apresentar o novo mapa da música nacional. Além disso, fez a música-tema do filme Nome Próprio, de Murilo Salles (ganhador do kikito de melhor filme do júri oficial – festival de Gramado).
Com o repertório de seu primeiro disco – Um Carinho com os Dentes (2005) – a banda circulou pelo país, numa movimentação em que além de apresentar seu trabalho artístico, possibilitou o intercâmbio e troca de informações com artistas e produtores de diversas regiões. Entre os anos de 2006 e 2008, o grupo participou de festivais independentes de todas as regiões brasileiras, dentre eles Calango (MT), Bananada (GO), Varadouro (AC), Recbeat (PE), Jambolada (MG), Demosul (PR), dentre outros. Figurando entre os artistas do projeto Conexão Vivo, circulou pelos estados de Minas Gerais e São Paulo, e teve como convidados em seus shows artistas como Otto, Arrigo Barnabé, Paulo Barnabé e Arnaldo Antunes.

Integrantes:
Banzo – voz, violão
Danislau – voz
Moita – guitarra, voz
Chelo - baixo
Ricardim – barulhos, sopros, teclados
Vi - bateria
Jack - percussão

Veja e ouça: www.myspace.com/porcasborboletas

14:10 – Vandaluz (MG)

O grupo surgiu em Patos de Minas no início de 2006 da proposta de fundir trabalhos musicais com poemas. Sua formação inicial era composta por: Nilo Fonseca - guitarra e vocal, Cassinho Peres - voz e gaita, Vane Pimentel - voz e poemas (literatura de rua). Mais tarde foram integrados a banda, os músicos: Alan Delay %u2013 baixo, e Ciro Nunes - bateria, flauta e vocal. Em 2007 a banda gravou de forma independente, parte de seu trabalho com a intenção de divulgar e consolidar o grupo. De forma bem divertida, Vandaluz nasceu de conteúdo livre e crítico, valores que a banda acredita ser indispensáveis para o conteúdo de sua arte. Suas apresentações são marcadas por declamações de poemas e frases pertinentes ao momento.

Importante lembrar que vândalos é o que Vandaluz não é.

Veja e ouça: www.myspace.com/bandavandaluz

14:00 – "wally salomão, [a] música e[m] palavras" [performance poética com atores, músicos e admiradores...]

Nos intervalos dos shows, o festival Arte na Praça quer homenagear o poeta Wally Salomão. Uma homenagem que se justifica simplesmente pela desnecessária justificativa. Mas coincidentemente dia 5 de maio fará cincos anos que Salomão morreu. Por isso, subirão ao palco para cantar, interpretar e saudar o poeta: Afonso Mansueto, Danislau Também, Enzo Banzo, Lu de Laurentiz, Samuel Giacomelli, Tatiares e o ator e professor Getúlio Góes.

Quem foi Wally Salomão [1943 – 2003]
Editor da emblemática publicação Naviloca [junto com Torquato Neto, 1974]. Letrista de sucessos como Mel, Vapor Barato, Talismã, Alteza, Assaltaram a gramática. Parceiro de Jards Macalé, Lulu Santos, Caetano Veloso, Gilberto Gil, João Bosco e Adriana Calcanhotto.
Organizador de Alegria, Alegria [textos de Caetano Veloso], ùltimos dias de paupéria [textos de Torquato Neto] e Aspiro ao grande labirinto [textos de Hélio Oiticica].
Escritor premiado com os prêmios Jabuti e B.N.L. Livros publicados: Me segura que eu vou dar um troço [1971], Gigolô de bibelô [1983], armarinho de miudezas [1993], Algaravias [1996]. Hélio Oiticica, qual é parangolé? [1996], Lábia [1998], Tarifa de embarque [2000] e o Mel do Melhor [2001].
Trabalhou no Ministério da Cultura, como assessor de Gilberto Gil, no início de seu mandato, e uma de suas propostas era a inclusão de um livro na cesta básica dos brasileiros.

13:00 – ESPETÁCULO "QUIXOTE" – ALEXANDRE ROIT E RODRIGO MATHEUS (SP) – Especial Festival Ruínas Circulares

O roteiro do espetáculo está apoiado em dois pilares fundamentais: de um lado, a estrutura dos palhaços clássicos, com suas rotinas cômicas inseridas no contexto dos personagens, e do outro lado, a fidelidade a textos originais da obra de Cervantes, no que é possível ser fiel, a partir de tradução reconhecida de Eugênio Amado. Um Quixote insano que precisa de um Sancho para manter-se conectado de alguma maneira ao mundo real, e um Sancho limitado ao concreto, para quem é imprescindível a janela para o onírico, oferecido por seu Quixote.

Ficha Técnica:
Roteiro e Direção: Alexandre Roit
Elenco: Alexandre Roit e Matheus Adereços
Adereços e Figurinos: Luciana Bueno
Fotografia: Ricardo Boni e Mauro Xavier
Produção: Alexandre Roit e Luciana Bueno
Administração: Circo Mínimo
Realização: Alexandre Roit e Rodrigo Matheus

Mais: www.festivalruinascirculares.blogspot.com/

Noites Performáticas

2010-04-27T20:24:00.000-07:00

II Festival Latino Americano Teatro Ruinas Circulares e
Centro Cultural VEREDAS
apresentam:

Noites Performáticas
no Espaço Veredas
Entrada: R$ 5,00.

Sexta feira, 30 de abril:

22h - Exibição do vídeo 'Bacantes' de Eurípedes com Teatro Oficina.

22h - DJ Fernando Prado

22h - passadocontemporâneo
Marcella Prado
Sinopse: Uma questão de gênero? Talvez. A projeção do filme 'Tempos Modernos', de Charles Chaplin, sobre uma ação cotidiana da vida doméstica, lavar louças, incita a discussão sobre um fazer cíclico e a divisão de trabalho neste ambiente. Busco me relacionar com as interferências que podem ocorrer nesse ciclo, aparentemente interminável e (in) divisível, como antes e ainda agora. Traga sua louça!

22h - Sobre Alinhavos
Lucas Dilan e Angelita Franklin
Sinopse: Fluxo do que passa, atravessa, perfura outras superfícies intransigentes das relações... outro devir... um devir outro. O r o m p i m e n t o, o destroçamento sempre do provável, definido a busca pelo contrario pelo complexo simplificado, do que fica em latência, resta e reverbera e segui adiante, pela fina costura de um tecido retorcido subjetilsocial.

23h - A Ermos

Priscilla Bello
Sinopse: Corpo gera movimento. Pausa. Movimento e pausa num ritmo que o instante determina. Quer interferir e sofrer as interferências daquilo que é e está ermo. Quer presença. Relação. Quer aquilo que não é palpável.

00h - Zoo Sapiens
Breno Maia, Daiane Costa, Leon de Aguiar,
Renan Bonito, Ana Flávia Felice
Sinopse: A performance Zoo Sapiens é um processo artístico que busca demonstrar um pouco da natureza instintiva humana, avaliando questões de sobrevivência, denotando vida às secreções. Nossas secreções são reflexos de um bom funcionamento do organismo e mantenedor da espécie.
A performance Zoo Sapiens consiste na animalização dos performers. Eles estarão em um espaço fechado, com odores típicos da sua espécie repetindo ações como amamentar, dormir, comer, beber água, gozar, evacuar, urinar, coçar, lamber, disputa por território, dentre outras.
Animalidade retornada a origem animal com o seu racional pouco desenvolvido, instintivo.
A espécie humana deixou o seu habitat natural, modificando a natureza para si e moldando-a com valores e leis conforme interesses do Estado e de quem detinha o “poder”, mas e se fosse outra espécie a evoluir, como seria a nossa sobrevivência? Em um zoológico? Ou quem sabe teríamos extinguido, ou faríamos parte de cardápios em restaurantes, além de sermos “domesticado”, como animal de estimação.

00h - DJ Koyrana

00h30 - Mit namn er Ana
Aninha Reis

"a voz é uma subversão ou uma ruptura da clausura do corpo." Paul Zumthor
A performance compõe um ambiente através da distorção da voz e suas ressonâncias. Atravessa os limites do corpo num cruzamento de ruídos, gemidos, cantos, palavras, gritos, que se misturam e se recompõem em novas paisagens sonoras. Oralidade-incorporação: a boca como cavidade - fresta entre o interno e o externo - liquefazendo-se na língua e na linguagem para criar um composto de sensações que emana do silêncio e retorna a ele.

Sábado, 01 de maio:

21h - Alice do Maravilha
Trupe Tamboril - Concepção: Maíra Rosa - Direção e construção de imagens: Coletiva - Elenco: Alba Jacobina, André Cavalcante, Diogo Boina, Guilherme Calegari, Liliane Cirino, Maíra Rosa e Uilson Fernandes - Figurinos: Diego Boina, Liliane Cirino, Luana Magrela - Adereços e produção cênica: Diego Boina.

Sinopse: A performance propõe uma resignificação dos textos clássicos de Lewis Caroll através de variadas linguagens teatrais que visam a construção de quadros diretamente vinculados com a realidade marginal das ruas. Alice , agora uma menina de rua, atravessa o espelho ingressando num mundo surreal onde, a partir do embate direto com personagens de sua vida cotidiana, percebe gradativamente a enorme barreira social criada por sua condição de existência. A re-interpretação das personagens tradicionais como o Coelho, a Duquesa, o Rei, a Rainha e o Gato de Cheshire, e sua disposição e ocupação do espaço urbano, despertam no espectador um “sentimento crítico” pautado pelo reconhecimento de suas próprias atitudes diante dos padrões adotados em suas rígidas relações s ociais; onde os olhos nem sempre enxergam a face cruel da vida.

22h - Exibição do vídeo 'Bacantes' de Eurípedes com Teatro Oficina.

22h - O ABISMO (para 32 espectadores).
Direção e adptação: Fransérgio Araújo - Inspirado em 'Aquele que diz sim e Aquele que diz não' de Bertolt Brecht. Trilha sonora: Djdu.K (nave vaga) - Luz: Eduardo Bernardt e Fransérgio Araújo -Textos: Christiane Nascimento e fragmentos com livre adptação de: Antonin Artaud e Bertold Brecht - Elenco: Ana Flávia, Breno Ferreira Maia, Ana Zumpano, Daiane Costa, Liliane Cirino Vieira, Lívia Almeida Moura, Renan Bonito e Tauana Barbosa.

Logo após 'O Abismo' terá incício o Serviço de Bar LUNARES e os eventos são abertos ao público.

22h45 - passadocontemporâneo
Marcella Prado
(veja informações a cima)

22h45 - Oferenda a ele
Letícia Mariano e Ernane Fernandez
Sinopse: Da ânsia ao deleite, o amor mostra suas faces, suas inquietações, seus mimos e seu bem-me-quer, mal-me-quer.

23h - mini-sarau palavras cruzadas
Daiane Costa, Rodrigo Valin, Leon de Aguiar, Braulio Garcia, Tatiana Vilarinho, Breno Maia, Ana Zumpano...
Sinopse: segunda edição do sarau de poesias palavras cruzadas.

23h15 - Anexo Calle
Trupe de Truões - Criação: Maria de Maria e Getúlio Góis.
Sinopse: A personagem é uma vítima medíocre, apaixonada do princípio ao fim; ela só tenta um único estratagema: dar ao homem que ama ocasião de confessar sua mentira, para que ele não lhe deixe essa mesquinha recordação.

23h40 - ternura inox show com a banda nave vaga.

00h45 - Corpo a corpo comigomesma
Yaska Antunes
Sinopse:Algo é. Algo interno é e se concretiza de diversas formas na superfície que limita o corpo. Corpo imóvel pode ser movimento, um movimento ínfimo poder significar amplidão da alma: sofrimento e alegria.

1h30 As palavras que saem das peles
Jack Willian e Daniel Noronha

2h15 - Armação
Luana Magrela
Sinopse: A performance consiste na apresentação da primeira fase de construção de uma escultura modelada com fios de cobre sobre meu corpo e um colete ortopédico, que tem o objetivo de vestir o corpo. Uma vez vestido esse colete, meu corpo perde parte de seus movimentos tornando-se limitado dentro das condições que o colete impõe. Nesse sentido, o corpo torna-se suporte da escultura.
A performance se desenvolve na experimentação dos possíveis movimentos que o colete permite ao corpo, gerando assim, uma sensação de aprisionamento. A imposição de limites do arame de cobre que cerca, limita o corpo. Este sofre um processo de adaptação.

Â

Domingo, 02 de maio:

21h - Alice do Maravilha
Trupe Tamboril
(veja informações a cima)

22h - Exibição do vídeo 'Bacantes' de Eurípedes com Teatro Oficina.

22h - passadocontemporâneo
Marcella Prado
(veja informações a cima)

22h30 - A Moça Tecelã
Maria Inês Mendonça com o acompanhamento musical do cantor e compositor Calvino.
Sinopse: A performance com o texto A Moça Tecelã foi montada em 2002 e apresentada em vários bares e espaços culturais na época. A história retrata os sentimentos, construções e desconstruções da vida de uma mulher através do ato de tecer.

Tecer, tramar, construir, dispor da semente é ter o acesso à vida. Conhecer os ciclos da semente é dançar com a vida, dançar com a morte, dançar de volta à vida. A natureza da Moça Tecelã é a construção dos ciclos da vida nas suas tramas.

22h30 - Fantasmas na casa, na rua e na alma.
Lucca Laender

O trabalho faz parte de uma série de experimentações que investiga a relação entre corpo, memória e os espaços urbanos. Os experimentos são o embate do corpo com as conformidades materias que o circunda e gera afecções, são exercícios do corpo sobre o seu meio que surgem como uma inserção pessoal sobre este a fim de conhecer melhor os objetos que compõem o mundo pela experiência poética.

23h - (Sem título para desassossego 1)
Cia Crua: Lucas Dilan, Angelita Franklin, Monique Alves, Bruna Bulkool e Maria Cláudia Lopes.
Memorial descritivo: 5 pessoas vestidas de branco em um cubo branco, pelo espaço haverá 25 vasilhames contendo pigmentos que serão utilizados pelo publico no corpo dos performes e pelo o espaço.
Memorial poético: arte em construção que percorre, corre, reverbera, por cores espaço no qual o outro pode ser parte de uma gênese experimental do conflito insaciável do humano da centelha do sagrado... do possível ser criado... do possível ser criador e transformador sempre atravessado pelo silêncio para o silêncio.

22h - Queer Metamorphose experiment
Vinicius Fonseca
Queer is a term used by the gay/lesbian population to describe an other than straight/heterosexual person.

" Queer é um termo utilizado pela poulação gay/lésbica para descrever os outros que não são heterosexuais."

“All Walls are great if the roof doesn’t fall”- Björk

"Todas as paredes são boas se o teto não cai"
Quem sou eu?
O que sou eu?
Qual é o meu corpo?
Qual é o poder do meu corpo?
Pecado.
Religião.
Busco retratar uma parcela do universo gay, este que faz parte de mim, partindo da seguinte pergunta,Para você o que é a homossexualidade?
“A humanidade e sua necessidade de rotular, engavetar, conceituar e não simplesmente experimentar, vivenciar e amar.”

00h - Poção de amor à custa de uma flor machucada
Marsial Azevedo
Sinopse: Um momento frágil. Um olhar brando, líquido. Pesquisas retomadas, esquecidas. Um deus natural, irresponsável. Câmera lenta. Alvos distorcidos. Flecha, fogo e braço. Flor poética escondida entre os hinos, flor carnal à vista de tudo. Magia, encanto e tinta. Consciência muscular. Horizonte limpo. Sonho pingado na testa. Sono perene dos olhos aflitos.
E antes de tudo, o velho Shakespeare.
E durante tudo, uma música muito alta para ninar escombros.
E depois de tudo, talvez um sorriso.

02h00 - 21gramas - qual o preço dessa flor?
Renan Bonito
Sinopse: quanto pesa a vida? o alimento intocável. a poesia. a ligação. os olhares. a indiferença. e o destino final. inevitável.  no instante de nossa morte, todos nós, perdemos 21 gramas.

PROGRAMAÇÃO 2010

2010-04-16T17:40:00.000-07:00

27/04

Manhã

9h – Oficina “Treinamento Psicofísico no trabalho do ator” com Diana Casas (Colômbia) Local: SESC Uberlândia

9h – Oficina “Criação Coletiva” com Carlos Zatizabal (Colômbia) Local: SESC Uberlândia

Tarde

14h - Conferência de Abertura do Festival Ruínas Circulares e do Primeiro Seminário

Nacional de Pesquisa em Teatro “O Teatro Colombiano Contemporâneo” com Carlos Zatizabal - Rapsoda Teatro (Colômbia) Local: Bloco 3M - Campus Santa Mônica – UFU

Noite

20h – Espetáculo “Rosita Contra Todo” - Rapsoda Teatro (Bogotá – Colômbia)

Espaço Cultural Balé de Rua

20h – Espetáculo “Arguedas: los rios profundos” CurtoTablas (Lima - Perú) Conservatório Estadual de Ituiutaba

28/04

Manhã

9h – Oficina “Treinamento Psicofísico no trabalho do ator” com Diana Casas

9h – Oficina “Criação Coletiva” com Carlos Zatizabal

Tarde

14h – Seminário Nacional de Pesquisa em Teatro Comunicações Orais

Noite

20h – Espetáculo “Antigona Actriz” - Rapsoda Teatro (Bogotá - Colômbia) Espaço Cultural Balé de Rua

20h – Espetáculo “Ismaela” CuatroTablas (Lima - Perú) Conservatório Estadual de Ituiutaba

29/04

Manhã

9h – Oficina “Treinamento Psicofísico no trabalho do ator” com Diana Casas

9h – Oficina “Criação Coletiva” com Carlos Zatizabal

Tarde

14h – Seminário Nacional de Pesquisa em Teatro Comunicações Orais

17h – Demonstração Técnica – OCO Teatro

Noite

20h – Espetáculo “Arguedas: Los Ríos Profundos” CuatroTablas (Lima - Perú) Espaço Cultural Balé de Rua

30/04

Manhã

9h - Oficina “Energia e Expressividade na construção do trabalho do ator” com Rafael

Magalhães Local: SESC Uberlândia

09h - Oficina “Tecendo Partituras” com Luiz Alberto Alonso

Tarde

14h – Seminário Nacional de Pesquisa em Teatro Comunicações Orais

17h- Conferência de Encerramento “Pesquisa em Artes: Teatro” com Prof. Dr. Dilma de Melo e Silva (USP)

Noite

20h – Espetáculo “Ismaela” – CuatroTablas (Lima - Perú) Espaço Cultural Balé de Rua

22h30 - Noites Performáticas Local: Espaço Veredas

01/05

Manhã

9h - Oficina “Energia e Expressividade na construção do trabalho do ator” com Rafael

Magalhães

09h - Oficina “Tecendo Partituras” com Luiz Alberto Alonso

Tarde

16h – Espetáculo “Pelada na Rua” - Alê Roit (São Paulo - Brasil) Praça Clarimundo Carneiro

Noite

20h – Espetáculo “Estranhas Galinhas” – Grupontapé (Uberlândia - Brasil) Teatro Rondon Pacheco

22h30 - Noites Performáticas Local: Espaço Veredas

02/04

Manhã

09h - Oficina “Tecendo Partituras” com Luiz Alberto Alonso

Tarde

13h –Espetáculo “Quixote” - Alê Roit (São Paulo - Brasil) Pátio do Mercado Municipal

16h - Ensaio Aberto “Galileu Galilei” Bloco 3M, Campus Santa Mônica Noite

Noite

20h – Espetáculo “Os Sonhos de Segismundo” OCO Teatro (Salvador - Brasil)

Teatro Rondon Pacheco

22h30 - Noites Performáticas Local: Espaço Veredas

A Brava - A Brava Companhia (São paulo)

2009-09-19T23:59:00.001-07:00

A Brava

Inspirado na história de Joana d’Arc – santa padroeira da França, queimada viva no século XV – o espetáculo “A Brava” propõe uma reflexão sobre os objetivos, rumos e escolhas de cada indivíduo. Na montagem, a saga da heroína francesa é mostrada de forma épica, valendo-se de recursos como a música, a interação com a plateia e as referências das culturas popular e pop, que se agregam ao drama e ao humor anárquico, para construir paralelos com os dias de hoje.

Encenada por quatro atores, a peça foi concebida para locais abertos, mas também pode ser apresentada em locais fechados, desde que amplos e arejados. Além do espaço necessário para toda a movimentação – do elenco, do cenário e do próprio espectador –, o fogo aparece como elemento de cena, no chão e em tochas à base de querosene e gasolina. A música executada ao vivo também é ponto forte, enriquecendo os jogos cênicos e as improvisações. A interação com o público é total, que ora responde às perguntas dos atores, ora é transformado num grande coro.

As vozes do além, que Joana acreditava ouvir, tornam-se símbolos interpretados como a crença em sonhos ou a ousadia de trilhar caminhos contrários a padrões pré-estabelecidos pela sociedade. Já as batalhas enfrentadas por ela assemelham-se às nossas lutas contra os obstáculos do cotidiano na busca pela felicidade.

“A Brava” rendeu ao grupo este ano o prêmio da Cooperativa Paulista de Teatro (CPT) na categoria melhor espetáculo apresentado em rua, além de indicações para melhor projeto sonoro, dramaturgia, entre outros. Também foi indicado ao Prêmio Shell de Teatro de São Paulo na categoria melhor direção.

Heróica

A Brava Companhia foi fundada na Zona Sul paulistana em 1998, inicialmente, com o nome de Cia. Teatral ManiCômicos. Em 2007, passou a se chamar Brava Companhia, mantendo e ampliando seu histórico de realizações e pesquisas práticas. Colecionadora de prêmios, seu trabalho foi assistido por plateias de Minas Gerais, Paraná, Rio de Janeiro, Santa Catarina, São Paulo. No Festival Isnard Azevedo, esteve em 2007, quando ainda competitivo, levando para casa o prêmio de melhor espetáculo de rua pelo espetáculo “Perfeição – Quando a Tempestade nasce das Luzes”.

Fábio Resende

Membro fundador, ator e diretor da Brava Companhia (antigo ManiCômicos), desde 1998. Graduando em artes cênicas pela Faculdade Paulista de Artes, entre outros cursos, teve aulas com o grupo dinamarquês Odin Theatret, dirigido por Eugênio Barba; grupo Folias D’Arte, com Reinaldo Maia; mais Ana Fridman Celso Solha, Ana Thomaz, Celso Frateschi e Edite Siqueira. Trabalha na área de arte-educação desde 1996 e, atualmente, é coordenador geral do Projeto Anchieta, uma iniciativa sociocultural. Dirigiu e/ou atuou em cerca de 30 trabalhos.

Ficha técnica

*Dramaturgia: o grupo
*Direção: Fábio Resende
*Atuação: Ademir de Almeida, Fábio Resende, Márcio Rodrigues e Rafaela Carneiro
*Cenário: Fábio Resende, Márcio Rodrigues e Mundano
*Figurino: Karla Maria Passos e Lígia Passos
*Produção: Kátia Alves, Luciana Gabriel e Maxwell Raimundo
*Gênero: tragicomédia
*Recomendação etária: 14 anos
*Duração: 90 minutos

La Octava Puerta - El Caballero (Havana - Cuba)

2009-09-18T23:59:00.000-07:00

Sinopse do espetáculo

Quatro personagens trancados em um quarto sem poder fazer nada porque o ator se foi para outro país. Decidem revelar as máscaras ocultas do ser humano, neste caso, as do ator. Enquanto isso se passa, falam mal do ator, dando a entender que eles mesmos são as frustrações do artista. Um camponês bruto e renegado pelo ator, um travesti petulante e cruel, um experimentalista que há se tornado todo retorcido, com seus sonhos rotos e um Édipo Rey, peça inacabada pelo ator, que quer ir para Tebas porque em Havana lhe falta a luz... finalmente encontram a solução.

Breve texto sobre o grupo

O grupo Teatro Del Caballero surge em outubro de 2006 e se dedica a dramaturgia contemporânea para adultos, jovens e crianças. Nasce com a necessidade de seu diretor, José Antonio Alonso, ex-integrante e fundador do Teatro Buendía de Cuba. Depois de vinte anos de experiência no teatro de grupo e investigação teatral de vanguarda, agora busca transitar por zonas mais auto-biograficas.

“Escribirse uno mismo, He ahí El secreto” Esta é a razão que move a seu diretor a olhar para dentro para replantearse El teatro como um espaço para trocar com seus espectadores suas zonas mais secretas como artista e ser humano.

O grupo propõe também revisar a tradição cubana através de uma visão mais contemporânea.

Ficha técnica

Direção artística: José Antonio Alonso e José Luis Garcia

Elenco: José Antonio Alonso

A Comédia do Trabalho - Companhia do latão (São Paulo - Brasil)

2009-09-17T23:59:00.000-07:00

Sinopse do Espetáculo: A Comédia do Trabalho estreou no SESC Anchieta em 2000, depois de pré-estréias em assentamentos do Movimento dos Trabalhadores Rurais Sem-Terra (MST) pelo interior do Estado. A tragédia da miséria, da exploração de pobres por ricos, torna-se muito mais tragável ao público com os recursos cômicos exercidos pela Companhia.

Foi o espetáculo da Companhia do Latão de maior sucesso popular. Apresentada desde 2000, a peça já passou por sedes de sindicatos de trabalhadores e movimentos populares e foi encenada por diversos elencos em quase 300 apresentações, sendo vista por um público de aproximadamente 70.000 pessoas, além de integrar a programação do FITEI, em Portugal.

Agraciado com a Bolsa Vitae 99 na área de pesquisa em criação dramatúrgica, o projeto de A Comédia do Trabalho foi desenvolvido em ensaios dos quais participaram estudantes de teatro, em oficinas realizadas na Oficina Cultural Oswald de Andrade, em São Paulo, entre fevereiro e julho de 2000.
A montagem estreou no Teatro Sesc Anchieta, após uma série de pré-estréias realizadas pelo interior do estado e no assentamento do MST em Rio Bonito do Iguaçu, no Paraná. Além das apresentações por todo o Brasil e também em Portugal, o espetáculo foi mostrado em sedes de sindicatos de trabalhadores e movimentos populares.

É a peça de maior sucesso popular da Companhia do Latão, tendo sido encenada por diversos elencos em quase 300 apresentações, sendo vista por um público de aproximadamente 70.000 pessoas.

Breve texto sobre o grupo

A Companhia do Latão é um grupo teatral de São Paulo interessado na reflexão crítica sobre a sociedade atual. Seu trabalho inclui espetáculos, atividades pedagógicas, a edição da revista Vintém, bem como uma série de experimentos artísticos.
A origem do grupo está ligada à montagem de Ensaio para Danton (1996), livre adaptação do texto A morte de Danton, de Georg Büchner, com direção de Sérgio de Carvalho.

No ano seguinte, o diretor reúne uma equipe em torno do projeto Pesquisa em teatro dialético, para a ocupação do Teatro de Arena Eugênio Kusnet, em São Paulo, momento em que se forma efetivamente o grupo de pesquisa teatral, que passa a ser co-dirigido por Márcio Marciano. Nos dois anos de residência naquele espaço se realiza um estudo da obra teórica de Bertolt Brecht como um modelo para o teatro épico-dialético no Brasil. A abertura pública do projeto ocorreu com a leitura do texto A Santa Joana dos matadouros, de Brecht, seguida de uma palestra de Roberto Schwarz, em 03 de julho de 1997. Nos meses seguintes, o grupo trabalha sobre o conjunto de escritos teóricos de A compra do latão, procurando confrontar a teoria de Brecht com observações realizadas nas ruas de São Paulo.

A experiência deu origem ao espetáculo Ensaio sobre o latão (1997). Em 1998, a leitura de Santa Joana se converte numa encenação de grande repercussão que aproxima a Companhia do Latão de espectadores ligados a movimentos sociais e universitários. Mesmo trabalhando com uma dramaturgia pré-existente, as primeiras montagens da Companhia do Latão apresentam um caráter de releitura processual, espetáculos ensaísticos no sentido de uma recusa a se inserir no sistema produtivo como um “produto acabado”. As regras do jogo teatral são como que expostas, em encenações desprovidas de maiores efeitos cenográficos, centradas nos atores e música, em que o espaço da ficção surge da colaboração imaginária do espectador. Ainda no Teatro de Arena Eugênio Kusnet, o grupo dá início a uma produção de dramaturgia própria, realizada na sala de ensaios de modo coletivizado, com base em improvisações dos atores e conjugada a uma pesquisa musical épica conduzida por Lincoln Antonio e Walter Garcia. O nome do sujeito, de outubro de 1998, é uma peça de feições históricas, que se passa em Recife, na segunda metade do século 19. No seu movimento crítico existe a representação de aspectos do projeto de modernização do estado na perspectiva neoliberal empreendido pelo governo brasileiro do fim dos anos 1990. A coletivização da escrita se radicaliza no espetáculo seguinte, A comédia do trabalho, que nasce de um processo de ensaios abertos, integrado a diversas oficinas teatrais e estréia no ano 2000. Concebida como peça de intervenção, em estilo de farsa de agitprop, tem pré-estréias em escolas e num assentamento do MST. A montagem amplia o intercâmbio do grupo com setores politizados do país, sendo apresentada também em sindicatos, encontros estudantis e fóruns sociais. É mantida em repertório por anos, atingindo mais de 70 mil espectadores.

Entre 2001 e 2003, a Companhia do Latão retorna ao Teatro Cacilda Becker, no bairro da Lapa, em São Paulo, onde tinha ocorrido sua pré-história com Ensaio para Danton. Ali o grupo produz suas encenações mais experimentais, também baseadas em textos próprios. Auto dos bons tratos (2002) se baseia num episódio histórico do século 16, relativo ao processo inquisitorial do capitão Pero do Campo Tourinho. A forma jurídico- processual da cena atualiza a perspectiva da peça didática. A peça é apresentada em Portugal, no Festival Internacional de Teatro de Expressão Ibérica, juntamente com A comédia do trabalho.

A reflexão sobre formas de desmontagem ideológica, capazes de perturbar a confiança na narrativa cênica, marca a dramaturgia do período, influenciada também pela leitura de Machado de Assis. Em torno dos processos de manipulação e alienação da indústria cultural se constrói a forma teatral de O mercado do gozo (2003), sobreposta ao tema da prostituição, dos paraísos artificiais e do aburguesamento da cidade de São Paulo no início do século 20.

Em paralelo às grandes montagens, a Companhia do Latão realiza uma série de experimentos mais curtos, às vezes na forma de leituras cênicas, em ocasiões comemorativas: Lorca, Dali, Buñuel (apresentado no centenário de nascimento de García Lorca, 1998), Homenagem aos trabalhadores de Eldorado dos Carajás (2000, na exposição Êxodos, de Sebastião Salgado), Ensaio da Comuna (2001, nos 150 anos da Comuna de Paris), O grande circo da ideologia (2001 e 2003, no Fórum Social Mundial), entre outros. Alguns desses experimentos se tornam encenações de maior repercussão, sendo reapresentados diversas vezes. João Fausto (1999), baseado no libreto de Hanns Eisler, feito a convite do Instituto Goethe de São Paulo, é uma sátira aos intelectuais com passado de esquerda realizada na forma de uma peça-conferência. Valor de troca (2002), baseado numa notícia de jornal em que uma moça é estuprada por policiais é um experimento musical que reflete sobre o discurso da justiça e suas categorias ideais. Seria depois exibido na televisão, numa reescritura de 2007.

Com o apoio do Instituto Goethe, a Companhia do Latão realiza alguns importantes intercâmbios com artistas alemães, entre os quais Peter Palitzsch, colaborador de Brecht no Berliner Ensemble e Alexandre Stillmark, também oriundo do movimento teatral da Alemanha Oriental. Um desses trabalhos, ocorrido com o ensaísta Hans-Thies Lehmann, tem como tema a obra do dramaturgo Heiner Müller. Dá origem a Equívocos colecionados (2004), exercício de ruptura da fábula e de “diálogo com os mortos” da cultura brasileira, composto a partir de entrevistas de Müller e de temas do filme Terra em transe, de Glauber Rocha.

No mesmo ano, o grupo estréia Visões siamesas, um de seus textos mais complexos, que tem como ponto de partida um conto de Machado de Assis. A peça examina o processo social e psicológico de produção de imagens compensatórias em relação ao fracasso da experiência histórica.

As viagens da Companhia do Latão por todo o país em 2005, com um repertório de quatro espetáculos (o que não ocorria desde 1999) encerra um ciclo de trabalho do grupo. Os novos integrantes aliados a Helena Albergaria, Ney Piacentini, Martin Eikmeier e Sérgio de Carvalho dedicam-se no ano seguinte ao Projeto Companhia do Latão 10 anos, cujo objetivo é o resgate do acervo literário, iconográfico e videográfico.

A estréia em agosto de 2006 de O círculo de giz caucasiano, com direção de Sérgio de Carvalho e artistas oriundos de vários grupos de pesquisa, é mais que um retorno a Brecht. Inaugura um procedimento de cooperações e uma intensa produção de experimentos audiovisuais. O reconhecimento internacional se amplia com o convite a Sérgio de Carvalho para uma conferência na Casa Brecht de Berlim sobre a experiência em teatro dialético da Companhia do Latão. O círculo de giz caucasiano é apresentado em Havana onde obtém o prêmio Villanueva, como melhor espetáculo estrangeiro de 2007, concedido pela União dos Escritores e Artistas de Cuba. O Estúdio do Latão é inaugurado em julho do mesmo ano e passa a sediar oficinas e abrigar uma pesquisa teatral e audiovisual intitulada Ópera dos vivos, que se desdobra entre 2008 e 2009. No final de 2008 o grupo lança o livro Companhia do Latão 7 peças (Cosacnaify) e realiza o experimento videocênico Entre o Céu e a Terra. Os livros Introdução ao teatro dialético: experimentos da Companhia do Latão e Atuação crítica: entrevistas da Vintém e outras conversas (ambos editados pela Expressão Popular) são lançados em 2009.

Com sua dialética inspirada no dramaturgo alemão Bertolt Brecht, a Companhia leva aos palcos montagens que buscam fazer o espectador refletir sobre as condições impostas pela sociedade mercantilizada para, a partir dessa crítica, incitar o público a agir na sociedade, transformando-a de alguma maneira.

Ficha Técnica:

Texto final de Sérgio de Carvalho e Márcio Marciano com base em processo de criação coletiva, com a colaboração de Maria Tendlau, Ney Piacentini, Alessandra Fernandez, Adriana Mendonça, Heitor Goldflus, Helena Albergaria.

Direção de Sérgio de Carvalho e Márcio Marciano

Direção musical de Walter Garcia

Co-direção musical de Lincoln Antônio

Iluminação de Paulo Heise

Cenografia e figurinos de Márcio Medina

Produção de Ney Piacentini

Assistência de produção de Marcelo Vinícius e Douglas Estevan

Coordenação da equipe de vídeo de André Guerreiro

Elenco da estréia: Adriana Mendonça, Alessandra Fernandez, Heitor Goldflus, Maria Tendlau e Ney Piacentini. Participaram depois os atores Ana Cristina Petta, Beto Matos, Carlos Escher, Cátia Pires, Emerson Rossini, Gustavo Bayer, Helena Albergaria, Isabel Lima, Maurício Braz, Rodrigo Bolzan e Victória Camargo.

AVISO

2009-09-17T06:42:00.000-07:00

Por motivo de força maior o espetáculo do dia 20 "O Califa da Rua Sabão" foi cancelado e substituído pelo espetáculo "A Brava". Horário e local continuam os mesmos. Ajudem-nos a divulogar a substituíção. Obrigado.

Para conferir sobre o novo espetáculo acesse o Blog da Brava: http://www.blogdabrava.blogspot.com/

Asterión - La Fábrica Teatro (Buenos Aires - Argentina)

2009-09-16T23:59:00.000-07:00

Sinopse do espetáculo: “Asterión entrelaça em sua escritura dois contos de Jorge Luis Borges: ‘La casa de Asterión’ e ‘La escritura del Dios’, ambos do livro ‘El Alefh’.

Contra o que pode sugerir o titulo, o espetáculo não é uma adaptação, nem sequer uma livre adaptação, mas sim uma reelaboração profunda e inovadora de ‘La casa de Asterión’ a partir de um novo texto que acaba por dar ao conto borgeano uma posição oblicuo, lateral, em uma nova poética.

Para além do plano de ficção representado por Asterión, o espectador toca na poética desta o desconhecido, o imprevisível, o que se sente só por instantes e imediatamente se oculta atrás de um véu opaco impossível de alcançar.

Asterión incorpora uma visão de mundo ligado ao conceito de fim de milênio e posmodernidade, mas chega a ela através de uma experiência marcada fortemente elas escolhas autobiográficas, individuais ou grupais, porem não pela relação com uma escola ou uma estética compartilhada consciente e deliberadamente em todo o mundo.

Participa assim da vasta explosão de poéticas, da atomização e molecularização das formas de expressão e representação, que já não correspondem a discursos conceituais totalizantes.

Finalmente cabe sublinhar sua capacidade para dar forma teatral ao ininteligível, àquilo que não se pode compreender nem decifrar. Teatro sagrado, em suma, segundo as palavras de Peter Brook: aquele que torna visível o invisível.

E o invisível envolve nossa condição de seres desconhecidos por nós mesmos.”

Jorge Dubatti

Breve texto sobre o grupo

O grupo é formado por um único ator, Guilhermo Angelelli, formado pela Escola Nacional de Arte Dramática (Argentina) no ano de 1982 continuou sua formação com mestres como Carlos Gandolfo e Cristina Moreira. A partir de 1986 começa a desenvolver um trabalho de treinamento e investigação junto a Iben N. Rassmusen (Odin Teatret), integrando a partir de 1990 o grupo “Vindenes Bro” (El Puente de los Vientos) dirigido por Iben.

Exerce a docência desde o ano de 1986, desenvolvendo seminários de clown e de treinamento corporal e vocal para atores, bailarinos e cantores na cidade de Buenos Aires, interior da Argentina e diversas cidades da Europa e America Latina.

Ficha técnica

Criação, direção e atuação: Guillermo Angelelli

História Contada: Porta aberta, semente plantada - Grupo Faz-de-Conta (Uberlândia)

2009-09-15T23:59:00.000-07:00

Sinopse do espetáculo:
Um espetáculo elaborado a partir da tradição secular da contação de histórias apresentado pela personagem Vovó Caximbó, acompanhada por músicos, atores e bonecos. A montagem foi precedida por uma pesquisa realizada nas cidades de Uberlândia, Uberaba e Ituiutaba, sobretudo com pessoas idosas, visando resgatar a tradição oral e buscando referência nas festas populares e na cultura afro-descendente.

Breve histórico do grupo:
Fundado em 1993 por Maria Inês Mendonça. Entre os trabalhos realizados está a contação de histórias, o teatro, o teatro de formas animadas, a recreação, a pesquisa e revificação de histórias, cantigas, jogos e brincadeiras folclóricas.

Ficha Técnica:
Direção: Marcelo Ribas e Maria Inês Mendonça
Contadora de Histórias: Vovó Caximbó (Maria Inês Mendonça)
Músico e Manipulador: Luiz Salgado
Percursionista: Dedé Aires
Atores: Gabriel Alves e Joana D´Arc Araújo
Iluminador: Marina Arthuzzi
Pesquisa: Fabiola Benfica
Programação visual e cenografia: Marcelo Palimok
Produção: Lilia Pitta
Adereços e Sombras: Leonel Tadeu de Deus
Bonecos: Angie Medonça, Maria Inês Mendonça e Tainá Mendonça
Figurinista: Admê
Operador de som: Bambi
Operador de Luz: Marcos Vinicius Oliveira Dias
Contraregra: Pedro Henrique Sousa e Rafael Naufel

Dolores - Grupo Di-Ferente (Uberlândia)

2009-09-14T23:59:00.000-07:00

Sinopse do Espetáculo: Dolores. Na Verdade quatro Dolores: uma que era dona de casa, mas queria ser livre; a outra que era virgem, mas estava insatisfeita; uma que era freira mas odiava o que fazia e, por fim, aquela que desgostava de ser prostituta por vocação. Um dia essas quatro mulheres se encontram.
O que será que se passa na cabeça dessas mulheres Dolores?

O Grupo Teatral Di-Ferente à partir de sua caminhada de mais de 25 anos no cenário teatral mineiro, tem como característico principal a busca por um teatro que “fale” com o grande público. A visão de que o espetáculo é feito para atingir em suas diversas dimensões tanto o leigo como o pesquisador sugere ao grupo um estudo das técnicas acadêmicas e sua constante experimentação junto ao público. Levar o rigor técnico das academias às praças, às escolas e às casas de espetáculos conseguindo “afetar” de modo simples e poético as pessoas, fazendo-as saborear a arte da vida declarada pelo teatro, é algo fundamental no caminhar deste grupo. Desta forma procura desenvolver além do trabalho de pesquisa feito pela Equipe Laboratório, outras duas frentes de trabalho permanentes, que são: Vaidoso, que trabalha com atores e atrizes da terceira idade por meio de poesias e poemas; e Oficina, que ministra oficinas de preparação e desenvolvimento de novos atores. Com isto, o grupo participa das diversas ações culturais da cidade e colabora para a formação de público, a criação de novos espaços para a arte, a criação de novos profissionais e o desenvolvimento cultural mineiro, valorizando os profissionais locais e dando-lhes oportunidade de se projetar na área.

Prazer, meu nome é Dolores.

A busca de uma linguagem diversificada de seu repertório anterior e o anseio por novos desafios na linguagem teatral veio a calhar com o convite feito ao diretor carioca Ribamar Ribeiro. Esta nova força teve o intuito de trazer uma base prática e conceitual de qualidade ao novo processo de pesquisa da Equipe Laboratório do Grupo Teatral Di-Ferente após estes 25 anos de caminhada. A fusão da pesquisa teatral do diretor carioca Ribamar Ribeiro - teatro narrativo e sua pesquisa corporal e cênica - à vitalidade dos atores da companhia e sua investigação na cena teatral contemporânea, proporcionou a criação do espetáculo “Dolores”. Uma peça teatral que leva ao palco a busca das mulheres e seus desejos, através do universo e olhar do feminino da autora Ivana Arruda Leite.

Este espetáculo tem como intuito instigar dentro de cada pessoa as paixões e as armadilhas que a vida nos propõem a cada dia, quais são nossas escolhas e o que elas nos levam a ser perante o meio social. “Dolores” quer mostrar que dentro de cada um pulsa um desejo, um grito escondido entre paredes, um prazer quase que devasso de agarrar a vida na sua plenitude.

O espetáculo teve sua estréia em outubro de 2008, no Projeto Boca de Cena, em que foi selecionado entre os melhores projetos teatrais da cidade de Uberlândia. Permaneceu em cartaz durante dois finais de semana e voltou a ocupar os palcos de Uberlândia em novembro, na Mostra Nacional de Teatro, no qual também foi selecionado com um dos trabalhos de destaque da cidade. “Dolores” ainda este em cartaz por mais um fim de semana na cidade de Uberlândia no mês de março e agora se prepara para participar de festivais e apresentações no estado de Minas Gerais e interior paulista.

[a autora]

“O que faz a mulher ao criar? Talvez um dizer sobre si mesma; uma tentativa de construir, fora de seu corpo, o falo da fala e assim introduzir-se no mundo.”

MARIA RITA KEHL

Ivana Arruda Leite (Araçatuba –SP, 1951) é mestre em sociologia pela USP e autora de diversas obras. Publicou alguns contos e romances, enfocados no universo feminino e juvenil. Seu primeiro livro, “Histórias da Mulher do Fim do Século”, foi publicado em 1997. Cinco anos depois, Ivana lança outra obra com o mesmo tema: “Falo de mulher”. Em 2003, a autora começa a explorar a juventude com o livro “Confidencial - anotações secretas de uma adolescente”. A escritora também publicou contos nas revistas Ácaro, Coyote e PS.SP. Participou de diversas antologias como “Putas – o melhor do conto brasileiro e português”; “Geração 90: os transgressores”; “Ficções fraternas”, entre outros. Em 2006, seu livro “Ao homem que não me quis” foi indicado ao prêmio Jabuti.

[dramaturgia]

“O teatro consiste na apresentação de imagens vivas de acontecimentos passados no mundo dos homens que são reproduzidos ou que foram, simplesmente, imaginados; o objetivo dessa apresentação é divertir. Será sempre com este sentido que empregaremos o termo, tanto ao falarmos do teatro antigo como do moderno.”

BERTOLT BRECHT

Aproveitando a contemporaneidade da autora, com contos modernos e uma forma literária espontânea, a transformação da estrutura literária para o narrativo foi imediata e interessante. Aproveitando a escrita de Ivana para o universo feminino, pois é uma mulher que escreve sobre mulheres, mas fazendo com que todos se interessem trazendo a universalidade do tema feminino. Dentro da estética do teatro narrativo percebe-se três focos do narrador, ou ainda três narradores distintos: o narrador externo – aquele que comenta de forma distanciada a ação sem ser visto, o narrador interno, aquele que como um personagem figurante que mesmo sem ser visto comenta e se envolve na ação; e o narrador–personagem, como protagonista e agente da trama. Trazendo para o texto, a dramaturgia vai caminhar nesta direção jogando com a neutralidade e envolvimento, o próximo e o distanciado, criando um paralelo com a estética e o público.

[atores]

“Somente artistas unidos por verdadeira simpatia num Conjunto Improvisador podem conhecer a alegria da criação desinteressada e comum.”

MICHAEL CHEKHOV

Trazer a tona o frescor da espontaneidade, o jogo corporal, a voz como elemento da narrativa é do ator. “Dolores” trará a seus intérpretes a busca da personagem dentro da estrutura do teatro essencial, modificando através da neutralidade os estados diversos da narração. Dentro da perspectiva de trabalhar principalmente o foco e as nuances do olhar o plano da cena se transforma e a cada momento sugere o aparecimento de uma nova forma de se revelar esta história.

As quatros atrizes e um único ator em cena são convocados a mostrar e contar os fatos/lugares/pessoas que esta história envolve, fazendo de suas marcações rígidas, partituras de uma brincadeira num espetáculo no qual os atores partem de um descompromisso gostoso a um secar de gargantas emocionado. A loucura, sutileza e energia que envolve cada cena faz do espetáculo uma caixinha de surpresas que em cada gesto gera no seu espectador a reflexão de ter em algum lugar de si uma tempestuosa “Dolores”.

[concepção e direção]

"Esta vida é uma estranha hospedaria,
De onde se parte quase sempre às tontas,
Pois nunca as nossas malas estão prontas,
E a nossa conta nunca está em dia."

MARIO QUINTANA

Buscar um conceito fragmentado tanto na estrutura cênica quanto espacial, ou seja, o espaço cênico será uma ruptura com o palco, pois espaços diversos serão utilizados, nos quais a platéia será um ouvinte-participante dos acontecimentos que serão narrados. A vivência da história, juntamente com os atores, pois os espectadores percorrerão o espaço de acordo com a estrutura da sala ou casa onde será apresentada. Este espaço não será um limitador, mas sim um formato inovador para ambas as partes. O jogo feminino das palavras e a sensualidade existente no caminhar do texto serão aprimorados esteticamente pelos atores que possuem especificidades em sua estrutura física e de atuação. As marcações de cena precisas (coreografadas e simétricas – um rigor quase fotográfico), repetições de partituras, marcações e textos são envolvidas por músicas e cantigas fazendo com que as modificações necessárias sejam promotoras das transferências das personagens em questão.

“Buscar o novo. Sempre tento buscar o novo e cada vez mais é um desafio. Ao receber o convite deste grupo, fiquei honrado e ao mesmo tempo pensativo: seria algo novo! Pessoas novas, pensamentos novos! Mas ao aceitar, percebi que o teatro realmente é algo magnífico e estarrecedor. A confiança do grupo no trabalho e a disponibilidade plena de cada componente. A história de cada personagem foi vivenciada por estes atores no nosso processo. Breve e intenso. A eterna busca pelo novo é desafiador! Ainda estamos à procura.

Assim como estas mulheres Dolores!”

Ribamar Ribeiro

[a iluminação]

A iluminação desenhará o espaço da atuação, como janelas que se abrem para as histórias, trabalhando com corredores e focos recortados, lembrando pequenos espaços onde estes atores podem se revelar por inteiro .

[a indumentária e visagismo]

O figurino mesclará o clássico e o moderno, mas sem enfatizar uma época específica, deixando mais evidente as personalidades de cada personagem nos figurinos individuais. O uso de sobreposições de detalhes, figuras em colagens e aplicações artesanais fazem do figurino quase que a história de cada indivíduo. Nestes figurinos são impregnados partes da trajetória de cada personagem, símbolos de seus desejos e uma poluição de pensamentos e percepções de mundo. A sensualidade das mulheres não é renegada trazendo em seus vestidos ora formas soltas e leves ora partes colantes e voluptuosas. O homem, como em sua própria condição dramatúrgica já o diz, é um ser onírico, caracterizado pela sua figura limpa de todas as amarguras e denotando um ser quase celestial a estas mulheres. Isto faz com que seu figurino seja limpo, branco e sem detalhes, dando vasão a significações múltiplas de sua personagem. A linha a ser seguida pelo visagismo acompanha o que a indumentária pede a cada personagem, sendo dedicada a cada personagem a vasão de seu elemento principal.

[a cenografia]

A cenografia se mostra simples, limpa, estará desenhada apenas por cadeiras que farão os planos diversos desta história, acompanhadas em alguns momentos de malas que servirão como fio condutor de cenas. Estes objetos cênicos farão, juntamente com os atores, as quebras propícias às ações e trarão através do gesto e palavras as modificadções de acordo com o desenvolvimento da trama.

[currículo do diretor]

Eu sou apenas uma célula, uma pequenina célula que procura ser útil na fidelidade da função.

CÂMARA CASCUDO

Ribamar Ribeiro é um dos diretores jovens de grande destaque no panorama teatral contemporâneo da atualidade. Dirigiu 30 espetáculos teatrais. Com uma proposta ousada e nova de releitura de Clássicos e com a moderna proposta da linguagem narrativa e corporal. Além de sua formação artística como Ator e Diretor, possui uma pesquisa aprofundada no Teatro Social devido a sua formação em Ciências Sociais. Criador da estética do Teatro-Seminário, no qual existe um aprofundamento da pesquisa de autores e sua vida, transformado isto em uma linguagem narrativa e dinâmica.

Como dramaturgo escreveu diversos textos entre dramas, comédias e textos para a infância e juventude. É Diretor Artístico de Os Ciclomáticos Cia. de Teatro, Cia. de Teatro e Música Galpão das Artes, Cia. Círculo Teatral, Grupo de Teatro Maldito e Cia. de Teatro Fios da Roca, Os Cênicos e Cutucurim Cia de Teatro. Como professor de interpretação desenvolve um trabalho no SENAC Rio há 5 anos. Como Ator já trabalhou com André Paes Leme, Marília Martins, José da Costa, Nanci de Freitas e Antônio Abujamra. Possui mais de 30 prêmios em todo o Brasil, entre eles, o Prêmio Pruri, Elisabeth Savala, Paschoalino, FENATA. Um de seus últimos trabalhos foi como assistente de direção de Antonio Abujamra em São Paulo, na FUNARTE, no Projeto Geografia da Palavra, através do Ministério da Cultura. E também jurado de diversos festivais nacionais dentre eles: Festival Regional de Goiânia, Festival Nacional de Teatro de Manaus.

ficha técnica

Texto e Direção: Ribamar Ribeiro

Livre adaptação dos Contos: Dolores 1, 2, 3 e 4 de Ivana Arruda Leite

Indicado para maiores de 14 anos.

Elenco:

Aryadne Amâncio – Dolores

Fernanda Audrila – Dolores

Ilmara Damasceno – Dolores

Johnny Charles – Homem de Branco

Susilene Feoli – Dolores

Assistente de Direção: Guilherme Almeida

Cenografia: Ribamar Ribeiro

Figurinos e Visagismo: Aryadne Amâncio e Ribamar Ribeiro

Adereços: Susilene Feoli

Costureira: Juvercina Ribeiro

Preparação Corporal: Johnny Charles

Operação de Luz: Larissa Julio

Operação de Som: Bárbara Cardoso

Concepção de luz: Ribamar Ribeiro

Concepção de som: Ribamar Ribeiro

Programação Visual do Projeto: Aryadne Amâncio

Programação Visual de cartazes: Leonardo Cherulli

Memorial Fotográfico: Ricardo Borges

Produção Executiva e Artística: Susilene Feoli e Aryadne Amâncio

Realização: Grupo Teatral Di-Ferente

Nuestra Señora de las Nubes - Malayerba (Quito – Equador)

2009-09-13T23:59:00.000-07:00

Sinopse do Espetáculo: A obra possui dois personagens protagonistas: Oscar e Bruna, que se encontram por azar em um lugar que não é o seu, uma terra estranha, e iniciam uma relação de amizade ao reconhecerem-se originários de um mesmo povoado: Nuestra Señora de las Nubes.

No desenrolar da obra vão aparecendo os distintos personagens que povoam Nuestra Señora de las Nubes: os que possuem o poder, a avó que guarda a memória do povo, a história de amor entre um sonhador e sua mulher, os vagabundos que acostados numa esquina se dedicam a amolar as mulheres; essa paisagem humana identificável em qualquer povo de qualquer lugar vai sendo descrita pelo autor e atores com doses de ternura, por vezes com tom de drama.

Paralelamente Oscar e Bruna vão descobrindo as dores comuns e a comum solidão daqueles que, pelo motivo que seja, estão longe de sua terra natal.

No inicio desse século, em todos os continentes, a miséria, a guerra, o fanatismo, a violência religiosa segue espulsando do próprio território a milhares de pessoas. O objetivo fundamental de “Nuestra Señora de las Nubes”, tematicamente falando, é recordarmos que ninguém tem o direito, por nenhuma razão, de expulsar ao outro de seu pedaço de terra que significa cultura, é dito, crenças, mitos, costumes, alimento, identidade, pátria.

Dentro da história do grupo é coexistido, desde o inicio, atores de distintas origens, distintas nacionalidades, distintas culturas e procedências.

Depois de vinte anos de existência, o grupo Malayerba, tem a necessidade de expressar que esta mescla não somente é possível como também pode construir uma identidade, uma unidade com base na diferença, enriquecida pelas diferenças.

Ficha Técnica:

Texto e direção de Arístides Vargas

Elenco: María del Rosario Francés e Arístides Vargas

Figurinos e adereços: José Rosales

Iluminação: Gerson Guerra

Música: Alberto Caleris

Produção: Grupo Malayerba

La Razón Blindada - Malayerba (Quito - Equador)

2009-09-12T23:59:00.000-07:00

Sinopse do Espetáculo: Baseada nas obras “Dom Quixote” de Cervantes, “A verdadeira história de Sancho Pança” de F. Kafka, e nas histórias de Chicho Vargas e outros presos políticos da ditadura argentina dos anos 70, nas imediações da prisão de Rawson.

Dois presos políticos, pressionados pelas circunstâncias emocionais e físicas, se encontram todos os domingos ao entardecer para contarem a história de Dom Quixote e Sancho Pança; o fazem com as limitações mais estremas devido ao fato de estarem encarcerados numa prisão de segurança máxima, mas também com a necessidade vital de contar-se uma história que os salve, que os transporte a uma aventura humana situada na imaginação, esse lugar onde a realidade mais cruel não pode chegar, lugar onde a dor mais intensa possa ser abrandada pelo ato de imaginar outra realidade..

Assim reinventam continuamente a Dom Quixote, esse cavaleiro que confunde moinhos com gigantes, camponesas com donzelas, cárceres com paraísos e que se exila na alucinação, nessa estranha desordem que não faz mal a ninguém, mas que ajuda profundamente a viver.

Acreditamos que Cervantes realizou o mesmo exercício ao começar a escrever “Dom Quixote” desde a prisão, a presença do confinamento e da privação de liberdade, o constante bloqueio da razão e do que, racionalmente, deve ser a ordem percegue constantemente ao herói “Dom Quixote de la Mancha” que, para estes presos, como em Kafka, não é outra coisa senão o desejo de Sancho Panza, que por sua vez não é outro que o de Cervantes encarcerado buscando libertar-se através de suas fantasias, nas quais o autor aspira ao estar livre e ao ser livre. Dom Quixote cavalga livre, solitário e livre para alem da razão prática, sobre as planícies da utopia.

Sobre o espetáculo. Gerson Guerra e Arístides Vargas empregam o mesmo procedimento que empregavam os presos políticos da ditadura argentina nos encontros culturais que os internos de Rawson, de forma secreta realizavam no cárcere, não com um propósito exclusivo de reabilitação e testemunho, mas também com a intenção de poder explorar a limitação como prática artística, a economia de gestos e expressividade como técnica de narrar Dom Quixote.

A obra apresenta distintas leituras em seus diferentes níveis, como o gestual, o dramatúrgico, o espacial; todos atravessados constantemente pela vigilância e o controle desde fora, desde uma periferia opressiva que atua como presença invisível.

Não há emprego de tecnologia, há vazio e atuação, há organização do vazio e a luz como proposta para contar a história de Dom Quixote e Sancho Panza. Não se trata de uma atuação minimalista, é uma atuação oculta e reprimida por uma circunstância de vida. O teatro, então, não é um recurso cultural, não busca legitimar-se em uma vanguarda, busca salvar nossa imaginação, que o cárcere não chegue até ela, que a capacidade de imaginar não seja derrotada.

Breve texto sobre o grupo

Teatro Malayerba é uma agrupação teatral com 25 anos de formação. Radicada em Quito, Equador, sob a direção de Aristides Vargas, um dos maiores dramaturgos e diretores teatrais latino-americanos do século XX já têm transitado por vários espaços de representação incluindo Festivais e Encontros Internacionais. Conta com obras de elevada qualidade e um repertório que tem viajado pelos cinco continentes. “Bicicleta Lerux” e “Nuestra Señora de las Nubes” são as suas principias montagens.

O grupo nasceu em Quito, no ano de 1979. dois anos depois se institui legalmente como “Associação Cultural Taller de Teatro Malayerba”, sem fins lucrativos, com caráter absolutamente independente e destinado à promoção de um teatro latino americano que expresse sua realidade com uma linguagem própria.

Em busca dessa linguagem própria, no ano de 1977, depois de uma série de seminários realizados, e em visto dos resultados obtidos pelos mesmos, criou-se o “Laboratório Teatral Permanente” na cidade de Quito, sem um endereço fixo, já que o grupo não possuía sede própria.

As aulas aconteceram em diferentes lugares: Galeria Artes, Fundação Quito, Aliança Francesa, Universidade Central, Casa da cultura Equatoriana e o Centro Espanhol. Até que, em dezembro de 1995, e graças aos fundos recorridos em um edital, o grupo compra uma casa situada na “plazoleta de Belén”, onde está desde janeiro de 1996.

Nesse mesmo ano, Malayerba recebeu a Medalha Nacional ao Mérito Teatral por parte da Casa da Cultura Equatoriana Benjamin Carrión.

Em 2001 nasce a revista “Hoja de Teatro”, sob a direção de Daysi Sánchez, como instrumento para a crítica, a teorização, o pensamento do teatro. Este documento dirigido tanto para quem integra o laboratório (alunos e professores), quanto para todos que se envolvem com Malayerba (público, artistas), pretende recorrer às experiências tanto a nível individual quanto coletivo de nosso espaço e também do cenário teatral da cidade.

Em seus vinte e sete anos de existência, Malayerba, é formado por uma equipe de atores profissionais de distintas origens, distintas nacionalidades, distintas culturas e procedências. Importante dizer que esta mistura não só é possível, como pode construir uma identidade, uma unidade com base na diferença e enriquecida pelas diferenças. Já foram realizadas 21 montagens, apresentadas por todos os estados equatorianos, para públicos diversos. Da mesma maneira, tivemos a oportunidade de representar ao Equador em várias ocasiões em festivais nacionais e internacionais. Participando também em obras de outros grupos do Equador e de outros países, assim como excursionando no cinema e na televisão, sem deixar nunca de lado o aporte da comunidade.

A Casa Malayerba, sede do grupo, na atualidade mantêm uma sala de teatro com capacidade para sessenta pessoas.

Ficha Técnica:

Texto e direção: ArístidesVargas

Elenco: Gerson Guerra y Arístides Vargas

Cenografia: Grupo Malayerba

Figurino: José Rosales

Selecionados para as Oficinas

2009-09-12T05:15:00.000-07:00

Oficina “EL CURSO DE LOS ACONTECIMIENTOS” Guilhermo Angelelli

1. Priscilla Kelly Silva Vieira (Priscilla Bello)
2. Camila Barbosa Tiago
3. Ana Flávia Felice Nunes
4. Marina Ferreira Andrade
5. Nádia Yoshi Ribeiro Higa
6. Marcella Prado Ferreira
7. Laís Batista Costa
8. Maria Cláudia S. Lopes
9. Adriana Moreira Silva
10. Renan Bonito Pereira
11. Lucas Dilan Martins Corrêa
12. Felipe Braccialli
13. Luciene Aparecida de Andrade
14. Aryadne Cristiny de Oliveira Amâncio
15. Welerson Freitas Filho
16. Breno Ferreira Maia
17. Bárbara Lamounier
18. Gabriela Cristina Gomes Santos
19. André Luiz Silva Rodovalho
20. Marise Gândara Lourenço
21. Johnny Charles Alves
22. Maíra Rosa Peixoto
23. Jhonatan Machado Rios

“Oficina “CONSTRUCCIÓN DE PERSONAJES MÚLTIPLES” José Antônio Alonso

1. Alessandra Ramos Massensini
2. Guilherme de Almeida Rodrigues
3. Marli Fernandes Magalhães
4. Laureen Gabriele Mallmann
5. Ana Célia Gomes Vieira
6. Dagmar Olmo
7. Guilherme Conrado Pereira Ríspolli
8. Guilherme Inácio Junqueira Filho
9. Jamile Salomão Silva
10. Renata Mendonça Sanchez
11. Tauana Silveira Barbosa
12. Eduarda Pereira da Silva
13. Katiusce Santos
14. Amanda Aloysa Alves
15. Rafael Machado Michalichem
16. Hanna Mayara Lima Perez
17. Lucas de Carvalho Larcher
18. Marina Vilela Almeida Santos
19. Kate Monica Costa
20. Laíza Coelho Gomes
21. Maurício Luiz Zaninetti
22. Marcos Vinícius Oliveira Dias
23. Vinícius de Castro Fonseca
24. Rafael Jorge Naufel
25. Alysson Assis Silva

SUPLENTES

26. Juliana Lopes Nascimento
27. Juliana C. Silveira
28. Carolina De Souza Silva
29. Emanuelle Anne da Silva Dantas
30. Ana Paula Pereira Botelho
31. Brenda Ramos Silva

Yaska Antunes - Lú de Laurentz - Ruínas Circulares - Ladeira Metálica

2009-09-12T04:10:00.000-07:00

INGRESSOS

2009-09-12T04:00:00.000-07:00

Os ingressos para os espetáculos de Uberlândia serão vendidos a partir do dia 13 de setembro às 16h no Teatro Rondon Pacheco. 10 Inteira e 5 Meia. Leve 1kg de alimento não perecível e pague meia. Garanta seus ingressos antecipadamente.

SOBRE O FESTIVAL

2009-09-09T15:49:00.000-07:00

O primeiro Festival de Teatro Latino-Americano: Ruínas Circulares inaugura um novo ciclo na história da cidade, da Universidade, do Curso de Teatro e, principalmente, dos muitos homens e mulheres engajados para promover e produzir a circulação de bens culturais que propiciem tanto o prazer estético quanto a reflexão, tanto o gozo intelectual quanto o divertimento mais ligeiro, abarcando uma ampla escala de possibilidades artísticas.

O sintagma “Ruínas Circulares” que dá nome ao Festival é tomado do título de um conto de Jorge Luis Borges (1899-1986). Inspiração emblemática! Borges, autor de obras magistrais, faz uso da metáfora, da alusão, da “mistura do fantástico e do metafísico”, como estratégia para procurar “a realidade mais profunda que a realista”, segundo formulação de Bella Jozef. Sua concepção de “labirintos, espelhos, representa a multiplicidade de caminhos” que são propostos [a todo instante] ao homem”. No prólogo da obra Ficciones, Borges é sucinto: “En Las ruinas circulares todo es irreal”. Mas trata-se de irrealidade criada a partir de vivências substanciais como é possível entrever em seus últimos parágrafos, quando emerge uma questão recorrente em sua obra: a questão da percepção do Ser.

No conto, um místico, bruxo, sonha que está criando um outro ser. E vai formando-o órgão por órgão. Porém, por obra de um evento inesperado, “el hombre taciturno” compreende com terror, que ele também “era uma aparência, que outro homem o estava sonhando”. Revelação. A obra de Borges faz-nos sentir que está abrindo as portas do mundo: sonhamos ou somos sonhados?
Quem somos nós povos sofridos, mas apaixonados, habitantes de terras cruéis, mas férteis, situadas abaixo da linha do equador? Quem somos nós latino-americanos?

Quem somos nós habitantes do cerrado mineiro? E afinal, quem somos nós, assim, sem ligação geográfica, perdidos na imensidão do espaço cósmico? Sob o signo de contumáz contradição, a América Latina surgiu como produto da expansão, exploração e colonização ocidental. Esse traço aparece de forma estrutural em muitas de suas obras simbólicas, do passado e do presente, articulando de forma inventiva o nacional e o universal. Com relação à arte do teatro, a tradição moderna do teatro latino-americano legou-nos um repertório memorável de obras primas que conseguiram dar respostas estéticas aos problemas do seu tempo. Referimo-nos aqui ao legado de grupos tais como El Galpón (Uruguai), La Candelária e TEC (Colômbia), Escambray (Cuba) para ficar nestes.

Nesse sentido, o objetivo do Festival é apresentar um pequeno panorama da produção teatral latino-americana contemporânea. Mostrar de que modo atualmente esse teatro é capaz de formalizar esteticamente os problemas dados do nosso tempo, sem perder a ligação com suas contradições originárias, que estão na base da configuração de uma idéia de ser latino-americano.
É no fundo um voltar-se para si mesmo num gesto desesperado de tentar se compreender em meio à incompreensibilidade de um mundo dito globalizado, desencantado e turvo.

A Universidade Federal de Uberlândia, por meio da PROEX-Dicult, e junto com o Curso de Teatro, sentem muito orgulho de poder oferecer à comunidade interna da UFU, em especial aos estudantes do Curso de Teatro, e à população da cidade de Uberlândia e região, um acontecimento do porte do Primeiro Festival Latino-Americano de Teatro: Ruínas Circulares.

Com essa iniciativa, esperamos estimular o debate e a reflexão sobre a arte, o teatro e sua relação com a comunidade, impulsionar a atividade e a produção teatral local, bem como a elevação de sua qualidade estética, contribuindo também para lançar Uberlândia no circuito cultural nacional e internacional. O formato, nesta primeira edição do Festival, é ainda pequeno com apenas sete companhias teatrais: três grupos da América Latina – Equador, Argentina e Cuba; e quatro do Brasil (um de São Paulo, um do Rio de Janeiro, dois de Uberlândia).

Haverá atividades pelas manhãs, tardes e noites. Serão duas oficinas teatrais e cinco mesas redondas, com cerca de 14 palestrantes, discutindo o percurso do teatro latino-americano e suas tendências contemporâneas. Serão nove apresentações teatrais em Uberlândia e Araguari.Trata-se, afinal, de uma aposta na existência de uma demanda reprimida na cidade por bens culturais de maior labor estético. Aproveitem! A semana de teatro está só começando!

Yaska Antunes

2009-09-04T07:23:00.000-07:00

PRÉ-PROGRAMAÇÃO

05/09

15h – leitura dramática

Texto: CRUCE DE VIAS

Autor: Carlos Solorzano (Guatemala)

Leitura: Ilmara Damasceno e Flávio Goulart

Direção: Guilherme Almeida

Local: Sede da ATU

16h – leitura dramática

Texto: DESCONCIERTO

Autor: Diana Raznovich (Argentina)

Leitura: Alysson Assis

Direção: Ana Carneiro

Local: Sede da ATU

12/09

15h – leitura dramática

Texto: A PROFESSORA

Autor: Enrique Buenaventura ( Colômbia)

Leitura: Maria de Maria

Direção: Yaska Antunes

Local: Sede da ATU

15h30 - leitura dramática

Texto: Ninguém Escreve ao Coronel – livre adaptação da novela homônima de G. García Marquez (Colômbia)

Autor: Cláudio Lorenzo (Bahia)

Leitura: Kalassa Lemos e Marcial Rezende

Direção: Cássio Machado

Local: Sede da ATU

16h30 - leitura dramática

Texto: ORINOCO

Autor: Emillio Carballido ( México)

Leitura: Yaska Antunes e Lilia Pitta

Direção: Cássio Machado

Local: Sede da ATU

17:30 – Comentários e reflexões sobre as leituras do dia

PROGRAMAÇÃO ARTÍSTICA

13/09

18h – Espetáculo “La Razón Blindada” Grupo Malayerba (Quito – Equador) (Uberlândia)

20h – Espetáculo “Astérion” Grupo La Fábrica Teatro (Buenos Aires – Argentina)

14/09

20h – Espetáculo “Nuestra Señora de las Nubes” Grupo Malayerba (Quito - Equador)

15/09

15h – leitura dramática

Texto: POTESTAD

Autor: Eduardo Pavlovski (Argentina)

Direção e Leitura: Narciso Telles

16h -–leitura dramática

Texto: LIQUIDO TÁTIL

Autor: Daniel Veronese (Argentina)

Leitura: Camila Tiago, Lucas Dilan, Priscilla Bello e Samuel Giacomelli

Direção: Coletiva

Local: Sede da ATU, Mercado Municipal, Box 48

20h – Espetáculo ”Dolores” Grupo Di-Ferente (Uberlândia)

16/09

20h – Espetáculo “História Contada: Porta Aberta, Semente Plantada” Grupo Faz-de-Conta (Uberlândia)

17/09

20h - Espetáculo ”Asterión” Grupo La Fabrica Teatro (Buenos Aires - Argentina)

18/09

20h – Espetáculo “A Comédia do Trabalho” Companhia do Latão (São Paulo - Brasil)

19/09

17h – Espetáculo “A BRAVA” A Brava Companhia (São Paulo - Brasil) (Araguari)

20h – Espetáculo “La Octava Puerta” Grupo Teatro Del Caballero (Havana - Cuba) (Uberlândia)

20/09

17h – Espetáculo “A BRAVA” A Brava Companhia (São Paulo - Brasil) (Uberlândia)

20h – Espetáculo [b]“La Octava Puerta”[/b] Grupo Teatro Del Caballero (Havana - Cuba) (Araguari)

PROGRAMAÇÃO ACADÊMICA

14/09

14h – Mesa redonda

Participantes: Aristides Vagas, Yaska Antunes, Fernando Aleixo e Luiz Humberto Arantes

Tema: Dramaturgia e encenação do teatro latino americano

17/09

14h – Mesa Redonda

Participantes: Sérgio Carvalho, Irlei Machado, Ana Carneiro

Tema: Pesquisa Teatral: Texto e Cena

18/09

14h – Mesa Redonda

Participantes: Sidnei Cruz, Narciso Telles e Renata Meira

Tema: A rua como espaço poético de criação

19/09

14h-Mesa redonda

Participantes: Paulo Merísio, Vilma Campos e César Lignelli

Tema: Pedagogia e criação teatral

PROGRAMAÇÃO PEDAGÓGICA

Dias 14, 15 e 16

09h – Oficina El Curso de los Acontecimientos com Guillermo Angelelli (La Fabrica)

Dias 17, 18 e 19

09h – Oficina Construcción de personajes múltiples com José Antônio Alonso (Del Caballero)

E-mail festivalruinascirculares@gmail.com

Site www.demac.ufu.br/ruinascirculares

Comunidade: http://www.orkut.com.br/Main#Community.aspx?cmm=92898320

Blog: http://festivalruinascirculares.blogspot.com/

Twitter: http://twitter.com/ruinascirculare